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La película sobre la creación de 'Psicosis' y la vida de
Alfred Hitchcock ya tiene su primer cartel oficial. En la imagen podemos
ver a un irreconocible Anthony Hopkins totalmente transformado en el
famoso director.
La película relata los pormenores del
rodaje de 'Psicosis', el legendario film dirigido por Hitchcock en 1960.
El guión está basado en el libro escrito por Stepehn Rebello titulado 'Alfred Hitchcock and the making of Psycho'. En USA se estrena el 23 de noviembre y ya se habla como una de las grandes candidatas de los próximos Oscar.
El proyecto cuenta con unos nombres de lujo en su reparto como Helen Mirren, que interpretará a Alma Reville, la esposa de Alfred Hithcock, y Scarlett Johannson que será Janet Leigh.Dirige Sacha Gervasi ('Anvil. El sueño de una banda de rock').
Un hombre siempre en movimiento tendrá un encuentro que pone en duda todo lo que sabe… VER PELICULA
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Bajo esta sencilla premisa nace One Day, fabuloso corto de apenas cuatro minutos. Una delicia visual desarrollada por los estudiantes Joël Corcia, Bung Nguyen, Thomas Reteuna, Laurent Rossi y Bernard Som para la escuela de imagen parisina Gobelins.
Un cortometraje cuya ejecución asombra con una animación espectacular que recuerda vagamente en su concepto a la mítica Doctor Who. Un hombre cuya casa se teletransporta por el mundo hasta que un encuentro casual y muy “humano” le hace replantear si el viaje a llegado a su fin.
El uso de la cámara, las 3D, los reflejos o la composición de la banda sonora logran un encaje realmente asombroso en este primer proyecto de estos jóvenes estudiantes.
A menos de un mes de que llegue a nuestra cartelera ese perro frankensteniano llamado Sparky, que promete devolvernos al Tim Burton de los orígenes (es decir, al bueno), esta semana ha llegado a los video-clubs online nacionales ‘Sombras tenebrosas’, la última fantasía del último Tim Burton (es decir, el menos bueno). ‘Frankenweenie’ supone el regreso de Burton al mundo de la animación siete años después de ‘La novia cadáver’, y lleva colgada al cuello una prometedora placa en la que se puede leer: “Soy el mismo perrete que resucitó Tim en 1984”. Los que fuimos fans de Burton siempre esperamos sin suerte, ante cada nuevo proyecto, un retorno a la lucidez de sus mejores tiempos, los de ‘Vincent’ (1982), ‘Bitelchús’ (1988), ‘Batman’ (1989) o incluso ‘Eduardo Manostijeras’ (1990). Esta vez las esperanzas están fundadas, pues en ‘Frankenweenie’ recuperará el cuento que ya nos contó, en forma de mediometraje en blanco y negro, hace tres décadas.
Para hacer más amena la espera, ¿qué mejor que recuperar las obras burtonianas que pone a nuestra disposición el mercado nacional de Video On Demand?
5. ‘Sombras tenebrosas’ (2012) (VER)
La película que, sí o sí, tiene que marcar un punto de inflexión en la etapa más lánguida e insulsa de uno de los autores cinematográficos más brillantes que ha dado el cine contemporáneo. Su particular homenaje a la televisión estadounidense de los años 60, con este remake de ‘Dark Shadows’ (serie de culto nunca emitida en España cuyo referente más próximo sería la Familia Adams), es, junto a ‘Alicia en el País de las Maravillas’ (2010), su peor obra en años. Cierto es que su imaginería visual se mantiene intacta, y que la película alcanza algún (esporádico) instante memorable, pero toda virtud se ve lastrada por un guión que, sencillamente, no nos lleva a ninguna parte. Perderse en Sleepy Hollow tenía su aquel, hacerlo en la mansión de Barnabás Collins no tiene la menor gracia.
4. La novia cadáver (2005)
Aunque la afirmación pueda sorprender, incluso parecer errónea, este es el único largometraje de animación dirigido por Tim Burton en 30 años de carrera. Y en realidad, lo hizo al alimón con Mike Johnson, uno de sus animadores de confianza. En este cuento oscuro que parece inspirado por El estudiante de Salamanca de Espronceda, se reúne todo el imaginario del director californiano: el amor, la muerte, lo gótico, la noche, las sombras tenebrosas, y el mundo de los no vivos. Lamentablemente, sus escasos 75 minutos suelen saber a poco.
3. ‘Ed Wood’ (1994)
Si en un párrafo anterior nos referíamos a un remake fallido, en este caso debemos hablar de homenaje certero. Homenaje al peor director de la historia, sí, pero también a los tiempos en que hacer cine era fabricar sueños artesanales con ilusión, cuando el dinero y el talento pesaban menos que la inercia de la claqueta y la cámara. Puede, además, que este Ed Wood sea el mejor personaje creado por Johnny Depp para Tim Burton, sin disfraces imposibles, maquillajes absurdos ni más aspavientos de los necesarios.
2. ‘Mars Attacks!’ (1996)
Paródica y alocada a más no poder, la película más disparatada de Tim Burton es, también la más divertida y una de las más brillantes. Contagiado por el espíritu libre del Ed Wood al que acababa de homenajear, convencido de que en el cine todo es posible si uno mismo se lo cree, la invasión alienígena que imaginó Burton trajo a la Tierra a los extraterrestres más feos, cabroncetes y ridículos que hayamos visto en la gran pantalla. Que la arma de destrucción masiva contra los ocupantes del espacio fuese el ‘It’s not Unusual’ de Tom Jones lo dice todo. Resulta sintómatico que en la película burtoniana en la que los actores brillan con más fuerza no asome la cabeza Johnny Depp. Mala sombra.
1. ‘Charlie y la fábrica de chocolate’ (2005)
Antes de unirse a los Monimoys, Freddie Highmore me cogió de la mano para que viajáramos juntos a la fábrica de chocolate de Willie Wonka. Yo ya la conocía: cuando tenía más o menos su edad, la novela de Roald Dahl fue una de esas lecturas obligatorias de la EGB que me descubrió, nada más y nada menos, que el placer de la lectura. Por ello, que al Tim Burton del siglo XXI se le ocurriese mancillar mis recuerdos debería haberme irritado profundamente. Pero no, curiosamente no. Aunque los Umpa Lumpa eran más terroríficos que ridículos en mi cabeza, aunque yo recordaba la fábrica más grande y mágica, Burton supo capturar con acierto el espíritu del original: la ilusión que uno tiene de niño por las pequeñas grandes cosas, y que de mayor acaba enterrando en el baúl de los recuerdos. Solo por despertar al mocoso que llevo dentro, el novio de Helena Bonham Carter se ganó, por última vez, mi particular cielo.
El ganador del 'Your Film Festival', de Youtube rodará una webserie de ciencia-ficción con Michael Fassbender.
YA VISTE SU CORTO: ‘La culpa’?
Acaba de cumplir 30 años, es catalán y, según Youtube, el director con más talento y potencial del mundo. David Victori (Manresa, 1982) ganó hace poco más de una semana el Your Film Festival,
primer certamen internacional de cortometrajes organizado por el
popular y gigantesco portal de vídeos. Su corto, ‘La culpa’, se ha
impuesto a los más de 15.000 trabajos presentados a concurso en esta
primera edición. Ahora Victori tiene entre las manos un regalo difícil
de administrar: 500.000 dólares para rodar un nuevo proyecto
protagonizado por Michael Fassbender y producido por Ridley Scott. No
obstante, puedo prometer y prometheus que sabrá estar a la altura de las circunstancias. No en vano la revista Variety ya le incluyó hace meses en la lista de los diez directores españoles a los que habría que seguir de cerca en los próximos años. ¿Cómo nace ‘La Culpa’? ¿Concebiste el corto pensando ya en el YOUR FILM FESTIVAL o es un proyecto anterior e independiente?
Con mi anterior cortometraje ‘Reacción’ gané el premio CurtFiccions “Dirige otro corto” y Roxbury se puso en contacto conmigo para ofrecerse a producir este nuevo proyecto.
Empecé a darle vueltas a qué historia me apetecía contar en ese
momento. Un día leí en la prensa la historia de una chica iraní a quien
un compañero suyo de la universidad le había tirado ácido en la cara y
le había dejado ciega, y a quien ahora su país le permitía vengarse
gracias a la ley del talión. En ese momento me vino una pregunta a la
mente: ¿Qué pasaría si la venganza fuera legal en todo el mundo? ¿Qué
haría yo en una situación como la de esa chica? Estuve días y días
tratando de contestarme, sin demasiado éxito. Tenía la sensación de no
estar siendo absolutamente honesto conmigo, quizás porque mi razón y mi
moral me daban una respuesta, pero la fuerza real de una situación así,
estaba seguro que tendría el potencial de eclipsar cualquier
razonamiento basado en la moral. Finalmente, casi rendido por no poder
dar respuesta a esta pregunta, dí un paso adelante y me pregunté: Y una
vez esta mujer haya llevado a cabo esta venganza, ¿qué le espera
después? ¿No es más pequeña la cárcel en la que se mete que la cárcel de
la que escapa? Aquí, ante esta pregunta, nació la historia de ‘La
culpa’.
El corto en ningún momento fue pensando para el YFF. Fue un corto que
llevaba casi 2 años recorriendo festivales de todo el mundo. Este
festival ha sido casi como su broche final. ¿Cómo vives todo el proceso de selección, tu candidatura como
finalista, hasta llegar a la victoria del pasado 2 de septiembre?
¿Cuando empiezas a pensar que puedes ganar el certamen?
Cuando me anunciaron que estaba entre los 50 semifinalistas, de entre
los 15.000 cortos que habían mandado de todo el mundo, ya me sentí
totalmente satisfecho. Sentí que estar entre los 50 mejores de todo el
mundo según Youtube y Scott Free (la productora de Ridley Scott)
ya era un auténtico lujo. Después nos informaron que pasar de los 50
semifinalistas a los 10 directores que viajarían a Venecia dependía de
los votos de la gente a través de internet. En ese momento estaba a
pocos días de empezar un nuevo guión por lo que en un primer momento vi
demasiado cuesta arriba ponerme a promocionar nuestra candidatura. Fue
en los siguientes días, hablando con algunos amigos y familiares, que
acabaron por convencerme de que aparcara por un mes la escritura de este
guión y tratara de dar a conocer nuestro corto a través de redes
sociales y medios de comunicación. Así lo hice, y durante esas cuatro
semanas me dediqué al cien por cien a promocionar la película. No
obstante, en los últimos días, antes de que cerraran las votaciones, ya
me había rendido. La gente nos había apoyado mucho, pero no confiaba en
que hubiera ninguna posibilidad de llegar a la final. No fue hasta que
no recibí su email para anunciarme que había pasado a la final que no
volví a tener esperanzas.
Una vez en a la final, y a sabiendas de que el premio dependía en
parte al del nuevo proyecto que los directores finalistas debíamos
presentar, no tuve ninguna duda en darlo todo. Me dejé la piel
preparando mi propuesta y finalmente parece que dio resultado y les
gustó. En ningún momento pensé que ganaría este certamen, aunque tenía
mucha confianza en lo que había presentado y esto hacía que estuviera
muy tranquilo. Sabía que el proyecto que había presentado era el mejor
proyecto que, en ese momento y con ese margen de tiempo, era capaz de
escribir. ¿Has recibido alguna llamada inesperada o propuesta de trabajo desde que ganaste el festival?
Aún no he podido leer todos los emails que he recibido desde que gané
porque he recibido muchos y necesitaré días y días para leerlos y
contestarlos, pero sí que hay varios de productoras interesadas en que
podamos hablar de proyectos. Por suerte hace poco empecé a trabajar con
un manager y un agente en Estados Unidos y ellos son los que se
encargarán de filtrar y organizar este reciente interés por mi trabajo. ¿Sabes ya algo del proyecto que rodarás con Michael Fassbender bajo el amparo de Ridley Scott?
El proyecto lo he trabajado intensamente durante estas últimas
semanas. De hecho, es en lo que se han basado para darme el premio.
Falta mucho trabajo por delante, pero lo que es seguro es que será una
web-serie de ciencia ficción que estrenaremos directamente en Youtube y
no tardaremos mucho en rodarla. Yo creo que será durante el primer
trimestre del próximo año cuando la tengamos terminada. ‘La culpa’ es un ejercicio de género en toda regla que juega
con las claves del thriller y el fantástico: ¿qué referentes consideras
que están presentes en ella?
Hasta que no empiezo a trabajar en preproducción trato de trabajar la
historia sin tener en cuenta referentes. En este caso no fue hasta que Sergi Vilanova,
el director de fotografía, se incorporó al equipo que empezamos a
hablar de algunos directores y películas para encontrar lugares comunes.
Sergi es un fan absoluto de Clint Eastwood y durante el trabajo de preparación salieron nombres como Michael Mann, James Gray y David Fincher. ¿Pudiste ver el resto de cortos finalistas? ¿Cuál era tu favorito? A nosotros nos gustó mucho 88:88…
Por supuesto, varias veces. También vi los 50 semifinalistas. Algunos
muy buenos se quedaron en la semifinal. La selección era muy variada,
cortos muy diferentes entre ellos. Si tuviera que elegir alguno,
elegiría estos tres: ‘Bad Eyes’, ‘North Atlantic’ y ‘Cine Rincao’.
Se que os gustó mucho ’88:88′,
vi que era vuestro favorito. En Venecia se lo comenté a los directores y
se pusieron muy contentos. Es el primer corto que hacen y lo rodaron
con un equipo de 4 personas. Son dos chicos con mucho talento y después
de la experiencia del Your Film Festival, buenos amigos. ¿Qué retos te plantea ahora el futuro más inmediato? ¿Estás trabajando en algo nuevo ya?
El reto más inmediato es hacer el mejor proyecto posible con la gente
de Scott Free y aprovechar esta gran ocasión. En este proyecto es donde
pondré toda mi energía y pasión, deseando que quede una historia que
realmente sorprenda al público y emocione. Lo siguiente será hacer un
largo y de nuevo, hacerlo tan bien como sepa.
Los principios básicos del montaje de continuidad
-para que la narrativa cinematográfica sea lo más suave y natural
posible- han cambiado poco desde que aparecieron. Sin embargo, algunos
de los avances más emocionantes y significativos del cine han implicado
revelarse frente a la linealidad narrativa cinematográfica clásica.
La innovadora organización de
MEMENTO en 2000, de Christopher Nolan, desafía las convenciones
narrativas sobre el contenido y la forma.
Luego del salto como cada semana, traemos a ustedes otra de esas geniales 100 ideas que cambiaron para siempre la historia del cine. Sigan leyendo!
Idea n° 12 | “El Montaje de Continuidad”. En busca de una experiencia visual sin fisuras.
El montaje de continuidad es tan eficaz
que la mayor parte de los espectadores apenas lo notan. Los primeros
cineastas superaron enseguida el formato de un solo plano; así, Georges Méliès enlazaba escenas autónomas para contar historias, como en Le Voyage dans la Lune, [1902].
Posteriormente, las secuencias de persecución de El Gran Robo al Tren [1905], de Cecil Hepworth,
introdujeron la noción de la acción paralela -la representación cruzada
de acciones que ocurrían de forma simultánea- que refinó D. W. Griffith
durante su prolífica etapa en Biograph [1908 - 1913]. Dividiendo las
secuencias en planos tomados desde distintas distancias y ángulos,
Griffith acentuaba el drama y exploraba la psicología de los personajes.
También variaba la distancia de los planos para lograr ritmo y crear distintos estados de ánimo, al tiempo que daba a las transiciones ópticas, como los fundidos, los efectos de iris o las cortinillas, un mayor peso narrativo y expresivo.
Griffith también editaba el movimiento para disimular el re-encuadre y compaginar los planos de manera meticulosa. Pero fueron F. W. Murnau y G. W. Pabst
quienes perfeccionaron en Alemania el montaje sin fisuras, cuya
capacidad de transmitir información causal, temporal y espacial lo
convirtió en un componente clave de la gramática estándar hollywoodense
que se extendería a todos los géneros y a todo el mundo a partir de la
década de 1920.
Aunque el montaje paralelo
surgió con un claro propósito estético, también servía para economizar
al permitir filmar los planos sin orden cronológico o salvar escenas
fallidas o interpretaciones mediocres reconstruyendo las secuencias a
partir de las mejores tomas.
En efecto, los editores muchas veces emplean “trucos” para resolver problemas de bloqueo, raccord
o continuidad de la acción y asegurarse de que en las películas se
respetan convenciones como la regla de los 180 grados, referida al eje
de acción o la de los 30 grados relativa a planos consecutivos del mismo
sujeto/objeto, o incluso las secuencias de plano y contraplano. Además,
los editores también podemos expandir y contraer los planos explotando
técnicas como la cámara lenta o el recorte brusco, más conocido como
jumpcut.
La claridad ha sido el principal
objetivo del montaje invisible, en particular en el entretenimiento
comercial. Sin embargo, esta secuenciación narrativa no siempre ha
convenido a los creadores de documentales o del cine experimental. De
hecho, el cineasta soviético Sergei Einsenstein era
abiertamente hostil a este tipo de montaje, e ideó una forma agresiva de
este “dialéctico” para contrarrestar su “tiranía capitalista”.
Rescued by Rover
Continuidad en la técnica del montaje paralelo: Un heroico perro sigue la pista de un niño perdido en Rescued by Rover [1905].
Los impresionistas franceses y los expresionistas alemanes
también desafiaron su hegemonía, lo mismo que los autores de la
nouvelle vague, aunque éstos tanto podían emplear largas tomas de mise
en scène, como de elipsis y no linealidad.
El cine estadounidense acabó asimilando
la discontinuidad subversiva a finales de la década de 1960, aunque el
montaje a través de punto de vista continuó siendo la norma, hasta que
una combinación de técnicas televisivas y paquetes de edición digital ha
fomentado una serie de planos realizados en cámara en mano, primeros planos y cortes rápidos, a la que el crítico David Bordwell ha llamado continuidad intensificada.
A finales de la primera década de este
siglo, le media de la duración de los planos de las películas de
Hollywood ha disminuido en un 10%, pasando de 5,15 a 4,74 segundos. Dado
que la mayor parte de los espectadores tarda aproximadamente 3 segundos
en habituarse a cada nueva imagen, se están viendo obligados a
responder a nivel emocional en lugar de a nivel intelectual a estos
montajes rápidos que apenas permiten una apreciación del trabajo
artístico del reparto y del equipo técnico.
Irónicamente, el hecho de priorizar los
elementos gráficos y rítmicos sobre los espaciales y temporales confiere
una cualidad más abstracta a las películas comerciales. Pero las
audiencias de todo el mundo siguen prefiriendo historias con un
principio, un desarrollo y una conclusión.
Cada vez la tecnología se vuelve mucho más avanzada y accesible a través de múltiples plataformas, por lo que es natural que los consumidores esperen cada vez estándares más altos de creatividad
y un compromiso cada vez mayor de los creadores de contenido. Sin
embargo, las redes sociales, aplicaciones, tabletas, teléfonos
inteligentes, sitios web, y muchos otros elementos ya forman parte de
los hábitos de la audiencia, y así están aprendiendo como las historias
deben evolucionar y como la narrativa tiene que funcionar en todas las plataformas,
lo cual es complicado. Un nuevo estudio ofrece algunas perspectivas
sobre lo que el público puede estar buscando en las historias.
La consultora de investigación Latitude ha publicado recientemente la primera fase de un estudio de dos partes titulado ‘El futuro de la narración’, que busca descubrir las tendencias y las actitudes del público sobre el contenido. En general, el estudio revela que la audiencia está buscando una eliminación de las barreras entre el contenido y la realidad en una ejecución aún cohesionada con varias capas. La compañía preguntó a los ‘adoptantes recientes’
de todo el mundo como querían experimentar las historias y les pidió
que reinventarán algunas historias bien conocidas a día de hoy. Según la
compañía, estos ‘adoptantes recientes’ son las personas que tienen más
probabilidades de poseer teléfonos inteligentes, tabletas, o ambos, y
por ello son más propensos a buscar contenidos a través de múltiples vías. También tienen más probabilidades de ser conscientes de las posibilidades de internet y las nuevas tecnologías actuales.
En base a las respuestas de los participantes, el estudio se centra en las ‘cuatro I’, que siguen dando forma a la narración.
Inmersión: Profundizar en la historias a través de un contexto suplementario y experiencias sensoriales.
Interactividad: Permitir a los consumidores convertirse en parte de la narración y posiblemente influir en su resultado.
Integración: Tener una conexión perfecta entre todas
las plataformas que se utilizan e ir más allá de simplemente replicar
el contenido en diferentes dispositivos.
Impacto: Inspirar a los consumidores para tomar
medidas de algún tipo, por ejemplo, la compra de un producto,
suscribirse a un servicio, apoyar una causa… etc.
Otros hallazgos del estudio revelan que ‘transmedia es algo más que el desplazamiento de los medios de comunicación’.
El 82% querría aplicaciones móviles que fuesen complementarias de su
experiencia de televisión, y no que supongan una duplicación sin más.
‘El mundo real es una plataforma’, el 52% considera que el mundo real es otra plataforma como la tecnología en 3D o la realidad aumentada, y esperan que se vincule lo digital y lo físico. Además el 79% expresó su deseo de formar parte de una historia, interactuando con sus personajes principales.
“Hasta ahora, uno de los descubrimientos más importantes para nosotros ha sido que la aparición de nuevas tecnologías significa que hay una oportunidad sin explotar
de permitir a la gente atar las historias directamente a sus propias
vidas, moviendo los relatos ‘fuera de la pantalla’, por así decirlo, a
menudo a través de conexiones significativas con los personajes” dice Neela Sakaria,
de Latitude. “Hemos destilado los resultados en algunos principios
clave, y nuestra esperanza es que los creadores de contenidos comiencen a
apreciar la idea de que el deseo de una experiencia multiplataforma interesante no es un nicho específico como algunos piensan. La narración innovadora no es sólo para la ficción fantástica, y hay nuevas y emocionantes oportunidades para los creadores y minoritas, que pueden utilizar los principios de narración para involucrar a las personas más profundamente“.
Inspirada en la historia del múltiple violador y asesino, Luis Alfredo Garavito, El Dictador de Copenhague cuenta la conmovedora historia de un maestro de escuela pública de una zona rural llamada Copenhague ubicada en un país en conflicto. A este maestro dedicado y apasionado a su cátedra de sociales, recientemente le han asesinado su único hijo. El autor de este hecho, un asesino y violador de niños y jóvenes, ha sido dejado en libertad por falta de pruebas y luego de un tiempo se ha instalado en el mismo pueblo. Es entonces cuando la vida de este maestro se debate entre hacer justicia por mano propia o dejar que el destino se encargue. Entre sus clases, las actividades propias del pueblo y su alumna amada, el maestro reflexiona sobre la impunidad y la justicia mientras sueña con la oportunidad de ir al otro Copenhague.
La obra fue ganadora del Premio Nacional de Dramaturgia en el año 2010, otorgado por el Festival de Teatro de Cali y sus jurados, los reconocidos dramaturgos Marco Antonio de la Parra (Chile), Arístides Vargas (Ecuador) y el poeta colombiano Juan Manuel Roca. Además la obra es III Beca de Coproducción del XV Festival Internacional de Arte de Cali, de Proartes, y Beca de Creación Teatral 2011 del Ministerio de Cultura.
