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Bienvenid@s a MENTE AUDIOVISUAL
Del 7 al 16 de septiembre se realizó este evento que tuvo como escenario el Jardín Botánico.
Más de 300 invitados, entre escritores, científicos, investigadores,
promotores de lectura, artistas, gestores culturales y productores, se
daron cita en esta Fiesta.
De ellos, resaltaron los nombres de periodistas y escritores como el estadounidense Jon Lee Anderson, la argentina Leila Guerriero, el mejicano Jorge Volpi y el español J. J. Benítez.
Además, se llevaronn a cabo eventos académicos como el Seminario de
Literatura Infantil, que llegó a su vigésima primera edición, el III
Congreso de Literatura “Medellín Negro”, además del VI Encuentro
Nacional de Promotores de Lectura y el III Encuentro de Clubes de
Lectura y Tertulias Literarias.
En las cinco ediciones que se han celebrado, un millón 191 mil 455 personas han asistido a la Fiesta, se han realizado 90 eventos, 262 lanzamientos de libros, 892 actividades académicas, más de 5 mil talleres de promoción de lectura y han participado 1.222 invitados nacionales e internacionales.
Muchos críticos han culpado a los Films D’art
de retrasar el desarrollo del cine como forma artística independiente
al forzarlo a adecuarse a las ortodoxias literarias y teatrales
existentes. Pero lo cierto es que las adaptaciones históricas y
reconstrucciones de clásicos otorgaron al cine un halo de respetabilidad
social y moral entre los patrocinadores de clase media y propulsaron su
condición de superespectáculo.
El Imponente decorado de
inspiración babilónica para la secuencia del banquete de Baltasar, en
“Intolerancia” [1916], del director D. W. Griffith.
Si leyendo el título y el encabezado del texto piensas, ¿qué diantres son los Films D’art?
Pues entonces no dejes de leer después del salto, en una entrada más de
cada martes con las 100 ideas que cambiaron para siempre la historia
del cine.
Idea n° 15: Los Films D’art: Un entretenimiento de mejor clase
Las imágenes en movimiento seguían siendo coto exclusivo de las ferias y los nickelodeons cuando una empresa llamada Le Film d’Art
trató de aumentar su atractivo estético e intelectual presentando a los
principales actores franceses en una serie de prestigiosas adaptaciones
literarias y teatrales.
En El Asesinato del Duque de Guisa [L'assassinat du duc de Guise, 1908], de André Calmettes y Charles le Bargy, actuaban miembros de la Comédie Franςaise, el guión fue escrito por el académico Henri Lavedan y contaba con una banda sonora compuesta para la ocasión por Camille Saint-Saëns.
Como se rodó con una cámara estática en
planos medios contra fondos pintados, la película ha tendido a
desestimarse por su grandilocuencia teatral. Sin embargo, la
interpretación contenida y la ingeniosa utilización del atrezzo de
época, el espacio fuera de campo y el montaje de la acción impresionaron
a los productores europeos y estadounidenses, que imitaron el estilo de
Film d’Art para adaptar obras de Shakespeare, Victor Hugo, Dickens y Tolstoi, así como numerosas óperas y ballets.
Plano de La Reina Elisabeth [1912], el Film d’Art que ayudó a cambiar la actitud estadounidense ante el cine.
El nuevo público no sólo estaba
dispuesto a ver películas más largas, sino que también estaba preparando
para pagar más por el privilegio de hacerlo. Este hecho no pasó
desapercibido a Adolph Zukor, quien compró los derechos en Estados Unidos de La Reine Elisabeth [1912], de Louis Mercanton, película de 50 minutos y 4 rollos, y cobró 1 dólar por entrada para ver a la divina Sarah Bernhardt en acción. Obtuvo unos beneficios tan jugosos que le permitieron fundar la Famous Players Film Company, piedra angular de Paramount Pictures, una de las creadoras del Studio System de Hollywood.
De todas formas, fue en Italia donde el film d’art alcanzó su apogeo. Quo vadis? [1913], de Enrico Guazzoni,
con su impresionante carrera de cuadrigas y su belicismo romano, sus
5.000 extras y su secuencia del Coliseo con leones reales, podría
reclamar el puesto de primera película taquillera.
VIDEO | Quo Vadis? Extracto de la película protagonizada por Amleto Novelli, Gustavo Serena, y Lea Giunchi, en 1913.
Sin embargo, fue pronto superada por un largometraje que marcó todo un hito en la historia del Cine: Cabiria [1914], de Giovanni Pastrone.
La película costó más de un millón de liras y tardó más de seis meses
en rodarse en lujosos decorados tridimensionales en Turín, además de
locaciones en Sicilia, los Alpes y Túnez.
Su alcance y escala eran imponentes. Pero, lo que fue más importante, Pastrone y el cámara español Segundo de Chomón rompieron la cerrada teatralidad del film d’art
experimentando con diseños de iluminación, efectos especiales, planos
con grúa y travellings lentos. Llevaron al espectador al corazón de la
acción [anticipándose a la puesta en escena técnica, refinada por Jean Renoir, Orson Welles y Max Ophüls] e incitaron a D. W. Griffith a intentar superar estos superespectáculos italianos con su obra épica sobre la guerra civil estadounidense El Nacimiento de una Nación [The Birth of the Nation, 1915] y con Intolerancia [Intolerance, 1916], cuyos episodios situados en la antigua Babilonia, la bíblica Judea y la Francia del siglo XVI hacen de ella el film d’art más ambicioso de todos.
La disposición de divas teatrales tan valoradas como Sarah Bernhardt y Gabrielle Réjane
a aparecer delante de la cámara contribuyó en gran medida a elevar el
estatus de la interpretación cinematográfica, mientras que la aceptación
de las películas por parte de la burguesía propició la construcción de
los primeros “palacios de sueños”. Pero la aportación más significativa
del film d’art fue ser la inspiración que permitió a los directores salir de los proscenios y producir obras totalmente cinematográficas.
Recuerda que cada semana compartimos una de las 100 ideas que para siempre cambiaron la historia del Cine, con el único afán de complementar tus estudios audiovisuales, porque para qué estamos con cosas, en la escuela nunca aprendes todo lo que deberías
Esta película está dirigida por James Mangold y se estrenará en verano de 2013. Hugh Jackman vuelve a ponerse las garras de Lobezno para interpretar 'The Wolverine' la segunda película del hombre lobo sin los 'X-Men'. Se estrenará en verano de 2013
Hugh Jackman se ha machacado en el gimnasio para volver a meterse en la piel de Lobezno en su nueva película, 'The Wolverine',
que sitúa a Logan, eterno y solitario guerrero, en Japón.Allí, el acero
samurái choca contra las garras de adamantium cuando Logan se enfrenta a
una misteriosa figura de su pasado en una épica batalla que le cambiará
para siempre.
'The Wolverine' es la segunda película en solitario de Lobezno sin los 'X-Men', después de la exitosa 'X-Men Orígenes:Lobezno' que se estrenó en 2009.
Los que creamos historias tenemos claro que nada surge por el azar,
aún esa brillante novela que estás escribiendo en este momento tiene su
raíz en algo que despertó tu interés, quizás ese personaje tan
desagradable que pusiste en tu guión está inspirado en ese compañero de
curso que siempre te molestaba o en una de esas, la apariencia de esa
mujer se deba a las características que tenía tu primer amor.
Motivados por esta simple idea, que surgió de la mente de nuestro orondo director, esta semana comentaremos 5 personajes con peculiares inspiraciones tanto en conducta como apariencia.
Doctor Gregory House
Esta quizás sea la más conocida de
nuestra quiniela si hasta fue una de las recomendadas por nuestro orondo
director, que como todos saben ama esta serie y lloró a mares cuando terminó, Pero quizás aún queden personas que no sepan de esto así que les contamos.
La inspiración primigenia para el personaje del cáustico doctor fue el célebre personaje creado por Arthur Conan Doyle, Sherlock Holmes. Esto nunca fue un secreto si hasta el mismísimo creador de la serie David Shore lo mencionó en entrevistas.
¿Las similitudes? Son
varias, desde algunas mundanas como que ambos tengan un único amigo que
soporta sus barrabasadas, hasta otras como su capacidad de discernir la
raíz de los males [criminales/médicos] con sólo una mirada y algunas más
oscuras como su respectivas adicciones, uno a la vicodina y otra a
la cocaína en una solución al 7%.
Antony "Tony" Stark
Directamente de la factoría Marvel
llega la segunda y última recomendación dada por nuestro orondo
director. Nos referimos al Avenger dorado, el que privatizó la paz
mundial, el alcohólico, obsesivo compulsivo, el millonario, el
mujeriego, Tony “Iron Man” Stark.
Tony Stark nace del prolífico Stan Lee,
cuyas obras a principio de los ’60 se estaban convirtiendo en grito y
plata a lo largo y ancho de Estados Unidos. En 1963 se reúne con su
jefe, Martin Goodman, para venderle la idea de un
personaje despreciable, que todos iban a odiar porque lucraba con la
creación de armas bélicas y debido a esto no sería querido por los
lectores. Al viejo Goodman no le pareció mucho la idea, pero como todos
los trabajos de Lee eran grito y plata por esas fechas, le dio luz
verde.
Así es como este hace equipo junto a su hermano Larry Lieber, Don Heck y Jack Kirby para la génesis del personaje. Tanto Lee y Kirby se encargan de la idea original, plantean sus características físicas y psicológicas basadas en Howard Hughes [cuya biopic dirigida por Martin Scorsese fue multipremiada] según Lee y cómo sería la primera armadura, con diseño de Kirby.
Pero fueron Lieber y Heck los que
terminaron de redondear el personaje. Así es como se añade otra
inspiración al diseño del personaje con la figura de Errol Flynn de acuerdo a los dichos del dibujante, Don Heck. Y como dato, el nombre de Tony Stark fue dado por Lieber y no por Lee. Por eso nombre y apellido no comparten iniciales como con Peter Parker, Reed Richards, etc.
John Constantine
Si ya hablamos de Marvel ahora nos toca cruzar la vereda y referirnos a un personaje de la Distinguida Competencia, DC Comics, que seguramente muchos recordarán por esa infame película protagonizada por Keanu “hombre sin expresión” Reeves, aunque su origen dista bastante de lo visto en dicha película.
Añadir leyenda
Nuestro
salto en el tiempo nos lleva a mediados de los ’80, cuando un todavía
no muy conocido guionista de comics inglés llamado Alan Moore se hace cargo de una serie menor de DC comics llamada La Cosa del Pantano.
No vamos a hablar sobre lo magistral que fue su paso por esta serie ni
de que deberían salir corriendo a conseguirla porque aquí el tema es
otro.
Es durante esta etapa en la que John Constantine
aparece y nos lo presentan como alguien misterioso, que sabe más de lo
que dice y que siempre tiene un cigarrillo en la mano. Aquí la
inspiración psicológica no es la recordada sino la física. Se dice,
porque es algo que ni Moore ni el dibujante de la serie Steve Bissette han confirmado cabalmente, que la base para crear la apariencia de Constantine fue nada menos que el famoso cantante Sting, y pese a que no lo hayan confirmado, no podemos negar el que parecido es indudable.
Rocky Balboa
Muchos ya deben saber que las películas
de Rocky son de mis favoritas pero lo que no muchos saben es que el
origen de la primera película está inspirada en un hecho real. ¿Acaso creían que a Stallone se le podría ocurrir algo tan bueno así de la nada?
Chuck Wepner era un
boxeador de poca monta que no había conseguido nada importante en su
carrera, pero un día de 1975 tuvo la oportunidad de pelear contra el
campeón mundial Muhammad Ali.
Claro, no era más que un combate ‘amistoso’ pero mientras la pelea avanzaba ocurrió lo inesperado. En el noveno round, Wepner
lanzó un puñetazo al pecho de Ali que hizo que el campeón cayera
noqueado. Wepner volvió a su esquina y sorprendido le dice a su
entrenador, “oye, lo noqueé”, a lo que este le respondió. “sí, pero ahora si está realmente enojado”. La gente se volvió loca. Wepner finalmente fue noqueado en el quinceavo y último round.
Un joven actor de películas porno llamado Sylverter Stallone miró la pelea desde su casa y le sirvió de inspiración para lo que sería uno de sus mejores trabajos.
Edward Gein
La influencia de Ed Gein
Uno de los más recordados asesinos seriales de Estados Unidos es Edward Gein,
quien al momento de ser capturado guardaba en su casa cuatro narices,
nueve máscaras hechas con piel humana, bowls hechos con huesos humanos,
diez cabezas de mujeres, sillas cubiertas con piel humana, nueve vulvas
en una caja de zapatos, entre otras cosas.
La industria hollywoodense se habría inspirado en por lo menos tres ocasiones en la figura de Ed Gein para hacer algún filme, aunque también existen varios biopic del sujeto. Eso es lo que guardan en común Psicosis, El Silencio de los Inocentes y La Masacre en Texas, todas están bajo la influencia de Ed Gein.
Y como una trivia final, en el comic japonés Rurouni Kenshin, conocido en Sudamérica como Samurai X, aparece un personaje llamado Gein, como un viejo ninja que hace maniquíes con piel humana.
Y así queridos contertulios fanáticos del audiovisual, concluimos esta magistral y nada superflua entrada [al revés de las que ocurre con aquél sitio de una radio online con nombre de región] con nuevos 5 personajes cuyos orígenes e inspiraciones espero no conocieras de antemano. De lo contrario mi ego de ñoño sabelotodo quedaría bastante menoscabado.
Si 2012 ha sido el año de Blancanieves, parece ser que 2013 será el año Hitchcock.
Varios son los proyectos que se están preparando alrededor del maestro
del suspense. Si anteriormente os hablamos de 'The Girl', la TV movie de
la BBC protagonizada por Sienna Miller y Toby Jones sobre el rodaje de 'Los pájaros' (1963), y de 'Hitchcock', largometraje sobre el proceso de creación de 'Psicosis' (1960) en el que Anthony Hopkins encarnará a Hitch,
hoy toca hacerlo de 'Bates Motel', una miniserie de 10 capítulos que
rueda la cadena estadounidense A&E y que narra todo lo que ocurrió
en el estremecedor motel de carretera de antes de que Janet Leigh nos descubriese su existencia en la obra maestra del director londinense.
Freddie Highmore (Londres, 1992), protagonista de 'Charlie y la Fábrica de Chocolate'(Tim Burton, 2005) y 'Arthur y los Minimoys'(Luc Besson,
2006) entre otras, encarnará a un joven Norman Bates durante su
tormentosa adolescencia, cuando al ser abandonado por su madre, empezará
a ver como su mente se desestabiliza. Vera Farmiga ('Up in the Air') encarnará precisamente a la Sra. Bates, y Max Thierot ('Almas condenadas') será Dylan, el hermano mayor de Norman. El guionista de los diez episodios que conformarán la serie es Anthony Cipriano, autor del libreto de 'El fin de la inocencia'(Michael Cuesta, 2005).
La
A&E ya ha emitido, como adelanto al estreno de la serie en 2013, su
episodio piloto, en el cual la familia Bates adquiere el emblemático
motel de carretera para convertirlo en el negocio familiar. Nosotros ya
sabemos que ese será, a la postre, el origen de una de los episodios más
escabrosos de la historia del cine.
La película sobre la creación de 'Psicosis' y la vida de
Alfred Hitchcock ya tiene su primer cartel oficial. En la imagen podemos
ver a un irreconocible Anthony Hopkins totalmente transformado en el
famoso director.
La película relata los pormenores del
rodaje de 'Psicosis', el legendario film dirigido por Hitchcock en 1960.
El guión está basado en el libro escrito por Stepehn Rebello titulado 'Alfred Hitchcock and the making of Psycho'. En USA se estrena el 23 de noviembre y ya se habla como una de las grandes candidatas de los próximos Oscar.
El proyecto cuenta con unos nombres de lujo en su reparto como Helen Mirren, que interpretará a Alma Reville, la esposa de Alfred Hithcock, y Scarlett Johannson que será Janet Leigh.Dirige Sacha Gervasi ('Anvil. El sueño de una banda de rock').
Un hombre siempre en movimiento tendrá un encuentro que pone en duda todo lo que sabe… VER PELICULA
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Bajo esta sencilla premisa nace One Day, fabuloso corto de apenas cuatro minutos. Una delicia visual desarrollada por los estudiantes Joël Corcia, Bung Nguyen, Thomas Reteuna, Laurent Rossi y Bernard Som para la escuela de imagen parisina Gobelins.
Un cortometraje cuya ejecución asombra con una animación espectacular que recuerda vagamente en su concepto a la mítica Doctor Who. Un hombre cuya casa se teletransporta por el mundo hasta que un encuentro casual y muy “humano” le hace replantear si el viaje a llegado a su fin.
El uso de la cámara, las 3D, los reflejos o la composición de la banda sonora logran un encaje realmente asombroso en este primer proyecto de estos jóvenes estudiantes.
A menos de un mes de que llegue a nuestra cartelera ese perro frankensteniano llamado Sparky, que promete devolvernos al Tim Burton de los orígenes (es decir, al bueno), esta semana ha llegado a los video-clubs online nacionales ‘Sombras tenebrosas’, la última fantasía del último Tim Burton (es decir, el menos bueno). ‘Frankenweenie’ supone el regreso de Burton al mundo de la animación siete años después de ‘La novia cadáver’, y lleva colgada al cuello una prometedora placa en la que se puede leer: “Soy el mismo perrete que resucitó Tim en 1984”. Los que fuimos fans de Burton siempre esperamos sin suerte, ante cada nuevo proyecto, un retorno a la lucidez de sus mejores tiempos, los de ‘Vincent’ (1982), ‘Bitelchús’ (1988), ‘Batman’ (1989) o incluso ‘Eduardo Manostijeras’ (1990). Esta vez las esperanzas están fundadas, pues en ‘Frankenweenie’ recuperará el cuento que ya nos contó, en forma de mediometraje en blanco y negro, hace tres décadas.
Para hacer más amena la espera, ¿qué mejor que recuperar las obras burtonianas que pone a nuestra disposición el mercado nacional de Video On Demand?
5. ‘Sombras tenebrosas’ (2012) (VER)
La película que, sí o sí, tiene que marcar un punto de inflexión en la etapa más lánguida e insulsa de uno de los autores cinematográficos más brillantes que ha dado el cine contemporáneo. Su particular homenaje a la televisión estadounidense de los años 60, con este remake de ‘Dark Shadows’ (serie de culto nunca emitida en España cuyo referente más próximo sería la Familia Adams), es, junto a ‘Alicia en el País de las Maravillas’ (2010), su peor obra en años. Cierto es que su imaginería visual se mantiene intacta, y que la película alcanza algún (esporádico) instante memorable, pero toda virtud se ve lastrada por un guión que, sencillamente, no nos lleva a ninguna parte. Perderse en Sleepy Hollow tenía su aquel, hacerlo en la mansión de Barnabás Collins no tiene la menor gracia.
4. La novia cadáver (2005)
Aunque la afirmación pueda sorprender, incluso parecer errónea, este es el único largometraje de animación dirigido por Tim Burton en 30 años de carrera. Y en realidad, lo hizo al alimón con Mike Johnson, uno de sus animadores de confianza. En este cuento oscuro que parece inspirado por El estudiante de Salamanca de Espronceda, se reúne todo el imaginario del director californiano: el amor, la muerte, lo gótico, la noche, las sombras tenebrosas, y el mundo de los no vivos. Lamentablemente, sus escasos 75 minutos suelen saber a poco.
3. ‘Ed Wood’ (1994)
Si en un párrafo anterior nos referíamos a un remake fallido, en este caso debemos hablar de homenaje certero. Homenaje al peor director de la historia, sí, pero también a los tiempos en que hacer cine era fabricar sueños artesanales con ilusión, cuando el dinero y el talento pesaban menos que la inercia de la claqueta y la cámara. Puede, además, que este Ed Wood sea el mejor personaje creado por Johnny Depp para Tim Burton, sin disfraces imposibles, maquillajes absurdos ni más aspavientos de los necesarios.
2. ‘Mars Attacks!’ (1996)
Paródica y alocada a más no poder, la película más disparatada de Tim Burton es, también la más divertida y una de las más brillantes. Contagiado por el espíritu libre del Ed Wood al que acababa de homenajear, convencido de que en el cine todo es posible si uno mismo se lo cree, la invasión alienígena que imaginó Burton trajo a la Tierra a los extraterrestres más feos, cabroncetes y ridículos que hayamos visto en la gran pantalla. Que la arma de destrucción masiva contra los ocupantes del espacio fuese el ‘It’s not Unusual’ de Tom Jones lo dice todo. Resulta sintómatico que en la película burtoniana en la que los actores brillan con más fuerza no asome la cabeza Johnny Depp. Mala sombra.
1. ‘Charlie y la fábrica de chocolate’ (2005)
Antes de unirse a los Monimoys, Freddie Highmore me cogió de la mano para que viajáramos juntos a la fábrica de chocolate de Willie Wonka. Yo ya la conocía: cuando tenía más o menos su edad, la novela de Roald Dahl fue una de esas lecturas obligatorias de la EGB que me descubrió, nada más y nada menos, que el placer de la lectura. Por ello, que al Tim Burton del siglo XXI se le ocurriese mancillar mis recuerdos debería haberme irritado profundamente. Pero no, curiosamente no. Aunque los Umpa Lumpa eran más terroríficos que ridículos en mi cabeza, aunque yo recordaba la fábrica más grande y mágica, Burton supo capturar con acierto el espíritu del original: la ilusión que uno tiene de niño por las pequeñas grandes cosas, y que de mayor acaba enterrando en el baúl de los recuerdos. Solo por despertar al mocoso que llevo dentro, el novio de Helena Bonham Carter se ganó, por última vez, mi particular cielo.
El ganador del 'Your Film Festival', de Youtube rodará una webserie de ciencia-ficción con Michael Fassbender.
YA VISTE SU CORTO: ‘La culpa’?
Acaba de cumplir 30 años, es catalán y, según Youtube, el director con más talento y potencial del mundo. David Victori (Manresa, 1982) ganó hace poco más de una semana el Your Film Festival,
primer certamen internacional de cortometrajes organizado por el
popular y gigantesco portal de vídeos. Su corto, ‘La culpa’, se ha
impuesto a los más de 15.000 trabajos presentados a concurso en esta
primera edición. Ahora Victori tiene entre las manos un regalo difícil
de administrar: 500.000 dólares para rodar un nuevo proyecto
protagonizado por Michael Fassbender y producido por Ridley Scott. No
obstante, puedo prometer y prometheus que sabrá estar a la altura de las circunstancias. No en vano la revista Variety ya le incluyó hace meses en la lista de los diez directores españoles a los que habría que seguir de cerca en los próximos años. ¿Cómo nace ‘La Culpa’? ¿Concebiste el corto pensando ya en el YOUR FILM FESTIVAL o es un proyecto anterior e independiente?
Con mi anterior cortometraje ‘Reacción’ gané el premio CurtFiccions “Dirige otro corto” y Roxbury se puso en contacto conmigo para ofrecerse a producir este nuevo proyecto.
Empecé a darle vueltas a qué historia me apetecía contar en ese
momento. Un día leí en la prensa la historia de una chica iraní a quien
un compañero suyo de la universidad le había tirado ácido en la cara y
le había dejado ciega, y a quien ahora su país le permitía vengarse
gracias a la ley del talión. En ese momento me vino una pregunta a la
mente: ¿Qué pasaría si la venganza fuera legal en todo el mundo? ¿Qué
haría yo en una situación como la de esa chica? Estuve días y días
tratando de contestarme, sin demasiado éxito. Tenía la sensación de no
estar siendo absolutamente honesto conmigo, quizás porque mi razón y mi
moral me daban una respuesta, pero la fuerza real de una situación así,
estaba seguro que tendría el potencial de eclipsar cualquier
razonamiento basado en la moral. Finalmente, casi rendido por no poder
dar respuesta a esta pregunta, dí un paso adelante y me pregunté: Y una
vez esta mujer haya llevado a cabo esta venganza, ¿qué le espera
después? ¿No es más pequeña la cárcel en la que se mete que la cárcel de
la que escapa? Aquí, ante esta pregunta, nació la historia de ‘La
culpa’.
El corto en ningún momento fue pensando para el YFF. Fue un corto que
llevaba casi 2 años recorriendo festivales de todo el mundo. Este
festival ha sido casi como su broche final. ¿Cómo vives todo el proceso de selección, tu candidatura como
finalista, hasta llegar a la victoria del pasado 2 de septiembre?
¿Cuando empiezas a pensar que puedes ganar el certamen?
Cuando me anunciaron que estaba entre los 50 semifinalistas, de entre
los 15.000 cortos que habían mandado de todo el mundo, ya me sentí
totalmente satisfecho. Sentí que estar entre los 50 mejores de todo el
mundo según Youtube y Scott Free (la productora de Ridley Scott)
ya era un auténtico lujo. Después nos informaron que pasar de los 50
semifinalistas a los 10 directores que viajarían a Venecia dependía de
los votos de la gente a través de internet. En ese momento estaba a
pocos días de empezar un nuevo guión por lo que en un primer momento vi
demasiado cuesta arriba ponerme a promocionar nuestra candidatura. Fue
en los siguientes días, hablando con algunos amigos y familiares, que
acabaron por convencerme de que aparcara por un mes la escritura de este
guión y tratara de dar a conocer nuestro corto a través de redes
sociales y medios de comunicación. Así lo hice, y durante esas cuatro
semanas me dediqué al cien por cien a promocionar la película. No
obstante, en los últimos días, antes de que cerraran las votaciones, ya
me había rendido. La gente nos había apoyado mucho, pero no confiaba en
que hubiera ninguna posibilidad de llegar a la final. No fue hasta que
no recibí su email para anunciarme que había pasado a la final que no
volví a tener esperanzas.
Una vez en a la final, y a sabiendas de que el premio dependía en
parte al del nuevo proyecto que los directores finalistas debíamos
presentar, no tuve ninguna duda en darlo todo. Me dejé la piel
preparando mi propuesta y finalmente parece que dio resultado y les
gustó. En ningún momento pensé que ganaría este certamen, aunque tenía
mucha confianza en lo que había presentado y esto hacía que estuviera
muy tranquilo. Sabía que el proyecto que había presentado era el mejor
proyecto que, en ese momento y con ese margen de tiempo, era capaz de
escribir. ¿Has recibido alguna llamada inesperada o propuesta de trabajo desde que ganaste el festival?
Aún no he podido leer todos los emails que he recibido desde que gané
porque he recibido muchos y necesitaré días y días para leerlos y
contestarlos, pero sí que hay varios de productoras interesadas en que
podamos hablar de proyectos. Por suerte hace poco empecé a trabajar con
un manager y un agente en Estados Unidos y ellos son los que se
encargarán de filtrar y organizar este reciente interés por mi trabajo. ¿Sabes ya algo del proyecto que rodarás con Michael Fassbender bajo el amparo de Ridley Scott?
El proyecto lo he trabajado intensamente durante estas últimas
semanas. De hecho, es en lo que se han basado para darme el premio.
Falta mucho trabajo por delante, pero lo que es seguro es que será una
web-serie de ciencia ficción que estrenaremos directamente en Youtube y
no tardaremos mucho en rodarla. Yo creo que será durante el primer
trimestre del próximo año cuando la tengamos terminada. ‘La culpa’ es un ejercicio de género en toda regla que juega
con las claves del thriller y el fantástico: ¿qué referentes consideras
que están presentes en ella?
Hasta que no empiezo a trabajar en preproducción trato de trabajar la
historia sin tener en cuenta referentes. En este caso no fue hasta que Sergi Vilanova,
el director de fotografía, se incorporó al equipo que empezamos a
hablar de algunos directores y películas para encontrar lugares comunes.
Sergi es un fan absoluto de Clint Eastwood y durante el trabajo de preparación salieron nombres como Michael Mann, James Gray y David Fincher. ¿Pudiste ver el resto de cortos finalistas? ¿Cuál era tu favorito? A nosotros nos gustó mucho 88:88…
Por supuesto, varias veces. También vi los 50 semifinalistas. Algunos
muy buenos se quedaron en la semifinal. La selección era muy variada,
cortos muy diferentes entre ellos. Si tuviera que elegir alguno,
elegiría estos tres: ‘Bad Eyes’, ‘North Atlantic’ y ‘Cine Rincao’.
Se que os gustó mucho ’88:88′,
vi que era vuestro favorito. En Venecia se lo comenté a los directores y
se pusieron muy contentos. Es el primer corto que hacen y lo rodaron
con un equipo de 4 personas. Son dos chicos con mucho talento y después
de la experiencia del Your Film Festival, buenos amigos. ¿Qué retos te plantea ahora el futuro más inmediato? ¿Estás trabajando en algo nuevo ya?
El reto más inmediato es hacer el mejor proyecto posible con la gente
de Scott Free y aprovechar esta gran ocasión. En este proyecto es donde
pondré toda mi energía y pasión, deseando que quede una historia que
realmente sorprenda al público y emocione. Lo siguiente será hacer un
largo y de nuevo, hacerlo tan bien como sepa.
Los principios básicos del montaje de continuidad
-para que la narrativa cinematográfica sea lo más suave y natural
posible- han cambiado poco desde que aparecieron. Sin embargo, algunos
de los avances más emocionantes y significativos del cine han implicado
revelarse frente a la linealidad narrativa cinematográfica clásica.
La innovadora organización de
MEMENTO en 2000, de Christopher Nolan, desafía las convenciones
narrativas sobre el contenido y la forma.
Luego del salto como cada semana, traemos a ustedes otra de esas geniales 100 ideas que cambiaron para siempre la historia del cine. Sigan leyendo!
Idea n° 12 | “El Montaje de Continuidad”. En busca de una experiencia visual sin fisuras.
El montaje de continuidad es tan eficaz
que la mayor parte de los espectadores apenas lo notan. Los primeros
cineastas superaron enseguida el formato de un solo plano; así, Georges Méliès enlazaba escenas autónomas para contar historias, como en Le Voyage dans la Lune, [1902].
Posteriormente, las secuencias de persecución de El Gran Robo al Tren [1905], de Cecil Hepworth,
introdujeron la noción de la acción paralela -la representación cruzada
de acciones que ocurrían de forma simultánea- que refinó D. W. Griffith
durante su prolífica etapa en Biograph [1908 - 1913]. Dividiendo las
secuencias en planos tomados desde distintas distancias y ángulos,
Griffith acentuaba el drama y exploraba la psicología de los personajes.
También variaba la distancia de los planos para lograr ritmo y crear distintos estados de ánimo, al tiempo que daba a las transiciones ópticas, como los fundidos, los efectos de iris o las cortinillas, un mayor peso narrativo y expresivo.
Griffith también editaba el movimiento para disimular el re-encuadre y compaginar los planos de manera meticulosa. Pero fueron F. W. Murnau y G. W. Pabst
quienes perfeccionaron en Alemania el montaje sin fisuras, cuya
capacidad de transmitir información causal, temporal y espacial lo
convirtió en un componente clave de la gramática estándar hollywoodense
que se extendería a todos los géneros y a todo el mundo a partir de la
década de 1920.
Aunque el montaje paralelo
surgió con un claro propósito estético, también servía para economizar
al permitir filmar los planos sin orden cronológico o salvar escenas
fallidas o interpretaciones mediocres reconstruyendo las secuencias a
partir de las mejores tomas.
En efecto, los editores muchas veces emplean “trucos” para resolver problemas de bloqueo, raccord
o continuidad de la acción y asegurarse de que en las películas se
respetan convenciones como la regla de los 180 grados, referida al eje
de acción o la de los 30 grados relativa a planos consecutivos del mismo
sujeto/objeto, o incluso las secuencias de plano y contraplano. Además,
los editores también podemos expandir y contraer los planos explotando
técnicas como la cámara lenta o el recorte brusco, más conocido como
jumpcut.
La claridad ha sido el principal
objetivo del montaje invisible, en particular en el entretenimiento
comercial. Sin embargo, esta secuenciación narrativa no siempre ha
convenido a los creadores de documentales o del cine experimental. De
hecho, el cineasta soviético Sergei Einsenstein era
abiertamente hostil a este tipo de montaje, e ideó una forma agresiva de
este “dialéctico” para contrarrestar su “tiranía capitalista”.
Rescued by Rover
Continuidad en la técnica del montaje paralelo: Un heroico perro sigue la pista de un niño perdido en Rescued by Rover [1905].
Los impresionistas franceses y los expresionistas alemanes
también desafiaron su hegemonía, lo mismo que los autores de la
nouvelle vague, aunque éstos tanto podían emplear largas tomas de mise
en scène, como de elipsis y no linealidad.
El cine estadounidense acabó asimilando
la discontinuidad subversiva a finales de la década de 1960, aunque el
montaje a través de punto de vista continuó siendo la norma, hasta que
una combinación de técnicas televisivas y paquetes de edición digital ha
fomentado una serie de planos realizados en cámara en mano, primeros planos y cortes rápidos, a la que el crítico David Bordwell ha llamado continuidad intensificada.
A finales de la primera década de este
siglo, le media de la duración de los planos de las películas de
Hollywood ha disminuido en un 10%, pasando de 5,15 a 4,74 segundos. Dado
que la mayor parte de los espectadores tarda aproximadamente 3 segundos
en habituarse a cada nueva imagen, se están viendo obligados a
responder a nivel emocional en lugar de a nivel intelectual a estos
montajes rápidos que apenas permiten una apreciación del trabajo
artístico del reparto y del equipo técnico.
Irónicamente, el hecho de priorizar los
elementos gráficos y rítmicos sobre los espaciales y temporales confiere
una cualidad más abstracta a las películas comerciales. Pero las
audiencias de todo el mundo siguen prefiriendo historias con un
principio, un desarrollo y una conclusión.
Cada vez la tecnología se vuelve mucho más avanzada y accesible a través de múltiples plataformas, por lo que es natural que los consumidores esperen cada vez estándares más altos de creatividad
y un compromiso cada vez mayor de los creadores de contenido. Sin
embargo, las redes sociales, aplicaciones, tabletas, teléfonos
inteligentes, sitios web, y muchos otros elementos ya forman parte de
los hábitos de la audiencia, y así están aprendiendo como las historias
deben evolucionar y como la narrativa tiene que funcionar en todas las plataformas,
lo cual es complicado. Un nuevo estudio ofrece algunas perspectivas
sobre lo que el público puede estar buscando en las historias.
La consultora de investigación Latitude ha publicado recientemente la primera fase de un estudio de dos partes titulado ‘El futuro de la narración’, que busca descubrir las tendencias y las actitudes del público sobre el contenido. En general, el estudio revela que la audiencia está buscando una eliminación de las barreras entre el contenido y la realidad en una ejecución aún cohesionada con varias capas. La compañía preguntó a los ‘adoptantes recientes’
de todo el mundo como querían experimentar las historias y les pidió
que reinventarán algunas historias bien conocidas a día de hoy. Según la
compañía, estos ‘adoptantes recientes’ son las personas que tienen más
probabilidades de poseer teléfonos inteligentes, tabletas, o ambos, y
por ello son más propensos a buscar contenidos a través de múltiples vías. También tienen más probabilidades de ser conscientes de las posibilidades de internet y las nuevas tecnologías actuales.
En base a las respuestas de los participantes, el estudio se centra en las ‘cuatro I’, que siguen dando forma a la narración.
Inmersión: Profundizar en la historias a través de un contexto suplementario y experiencias sensoriales.
Interactividad: Permitir a los consumidores convertirse en parte de la narración y posiblemente influir en su resultado.
Integración: Tener una conexión perfecta entre todas
las plataformas que se utilizan e ir más allá de simplemente replicar
el contenido en diferentes dispositivos.
Impacto: Inspirar a los consumidores para tomar
medidas de algún tipo, por ejemplo, la compra de un producto,
suscribirse a un servicio, apoyar una causa… etc.
Otros hallazgos del estudio revelan que ‘transmedia es algo más que el desplazamiento de los medios de comunicación’.
El 82% querría aplicaciones móviles que fuesen complementarias de su
experiencia de televisión, y no que supongan una duplicación sin más.
‘El mundo real es una plataforma’, el 52% considera que el mundo real es otra plataforma como la tecnología en 3D o la realidad aumentada, y esperan que se vincule lo digital y lo físico. Además el 79% expresó su deseo de formar parte de una historia, interactuando con sus personajes principales.
“Hasta ahora, uno de los descubrimientos más importantes para nosotros ha sido que la aparición de nuevas tecnologías significa que hay una oportunidad sin explotar
de permitir a la gente atar las historias directamente a sus propias
vidas, moviendo los relatos ‘fuera de la pantalla’, por así decirlo, a
menudo a través de conexiones significativas con los personajes” dice Neela Sakaria,
de Latitude. “Hemos destilado los resultados en algunos principios
clave, y nuestra esperanza es que los creadores de contenidos comiencen a
apreciar la idea de que el deseo de una experiencia multiplataforma interesante no es un nicho específico como algunos piensan. La narración innovadora no es sólo para la ficción fantástica, y hay nuevas y emocionantes oportunidades para los creadores y minoritas, que pueden utilizar los principios de narración para involucrar a las personas más profundamente“.
