Puppets & Clay, Stop-Motion Blog: MICRO MAYHEM!

Si quieres ver un excelente trabajo con la técnica stopmotion, tienes que ver esto!!
La mejor persecución de coches (en miniatura)
Autor: http://puppetsandclay.blogspot.com.es/2013/08/micro-mayhem-la-mejor-persecucion-de.html

“El género documental es el género más innovador de los últimos tiempos”, Virginia Martínez | DocTv Latinoamérica

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Navegantes: Cuenca - Ecuador

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Cómo eran las fotografías policiales en los años ’20

Por: www.core77.com

Las fotografías tomadas a los personajes arrestados en los años ’20 no se parecen en nada a las de la actualidad. Hoy en día, estamos acostumbrados a imágenes estándar, con una foto frontal y otra de perfil del sujeto en cuestión. Pero en años donde el glamour imperaba, la situación era completamente distinta. De hecho, casi se pueden hacer paralelos entre estas mugshots de los años ’20 y las fotografías de moda de la época. Algunas de las imágenes están acompañadas por comentarios realizados por la policía, que también son desopilantes.

Las llamadas mugshots son un figurita repetida en los medios del corazón (es imposible olvidarse de esas legendarias fotografías de Nick Nolte, por ejemplo) pero más allá de eso son una herramienta importante también para la policía. Gracias al avance de la tecnología, las mugshots ahora están acompañadas por imágenes de cámaras de vigilancia, y hasta de teléfonos móviles de ciudadanos. Pero en los años ’20, a veces eran la única forma que tenían de identificar a un detenido.

Después de 100 años de costumbre, la mugshot ciertamente perdió su clase. Los de Twisted Sifter se han encontrado con varias mugshots de los años ’20 coleccionadas por la Historic Houses Trust de Australia, que fueron compiladas por el Museo de Justicia y Policía de la ciudad de Sydney. Se trata de varias tomas de los criminales tomadas con una larga exposición, lo que le da a las fotos una calidad un tanto fantasmal. Como dijimos, los comentarios de la policía en las imágenes no tienen desperdicio.

No solamente los individuos aparecen fotografiados. También hay mugshots de los años ’20 grupales que bordean entre lo cómico y lo desgarrador. Más allá de la anécdota, las imágenes también son testimonio de la moda de la época. Algunos criminales parecen llevar trajes arreglados, mientras que otros lucen ropas un poco más humildes. Las expresiones faciales también cambian (como por ejemplo, la de un detenido que “se niega a abrir los ojos” para la foto) pero todas mantienen una estética de estudio más que de estación de policía.

Compartimos con ustedes esta galería con las mugshots de los años ’20, realmente muy interesantes. Nos preguntamos cómo podría replicarse este procedimiento hoy en día. Si bien las fotos de las mugshots han evolucionado con certeza, han perdido algo de la elegancia.

Photo from Australia's Historic Houses Trust and The Sydney Justice & Police Museum

Nowadays we use cameras, of both the cell phone and surveillance variety, to record crimes. But back when photography was a newfangled technology, the earliest application was merely to document what particular criminals looked like. The mugshot is still alive and well today, but like many things that are nearly 100 years old, the modern-day mugshot is a hell of a lot less classy than its original variant. (Think of Nick Nolte.)

Photo from Australia's Historic Houses Trust and The Sydney Justice & Police Museum

Twisted Sifter came across these astonishing 1920s mugshots collected by Australia's Historic Houses Trust. Compiled by the Sydney Justice & Police Museum, most of the photographs are criminals' headshots side-by-side with a head-to-toe, with the long exposure giving the figures a ghostly quality.

Photo from Australia's Historic Houses Trust and The Sydney Justice & Police Museum

Others are group shots, with some of the subjects apparently not enjoying their first time in front of a camera.

Photo from Australia's Historic Houses Trust and The Sydney Justice & Police Museum

You can't help but be struck by the fashion and etiquette of the time—to order even a criminal to doff his hat was apparently considered ungentlemanly, and although these people were murderers, thieves and rapists, most of them took the time to put on a vest and tie on a tie in the mornings.

Photo from Australia's Historic Houses Trust and The Sydney Justice & Police Museum

Is it me, or do these guys below look like they're on a modern-day catalog shoot?

Photo from Australia's Historic Houses Trust and The Sydney Justice & Police Museum

Photo from Australia's Historic Houses Trust and The Sydney Justice & Police Museum

Some of them just look straight-up crazy. Were this my cellmate, I'd probably not choose to break the ice by commenting on how high his pants were, even for the era.

Photo from Australia's Historic Houses Trust and The Sydney Justice & Police Museum

And check out this joker:

Photo from Australia's Historic Houses Trust and The Sydney Justice & Police Museum

BLOG SOBRE ILUMINACIÓN

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Blog RECOMENDADO SOBRE PUBLICIDAD

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SE7EN...Una película recomendada

( Disculpen la traducción....valdrá la pena leerlo)

Dirigida en 1995, Se7en de David Fincher, es una película que desafía la categorización fácil. Quizás demasiado oscuro para calificar como un clásico de oro a pesar de tener todos los ingredientes necesarios, ni se trata de una película de culto en el sentido tradicional, ya que está repleto de talento de una lista-y apoyada por un guión inteligente, una puntuación memorable y cinematografía rica , y un valor de producción al mismo paso con la visión propia de Fincher para la película.Pero pocos cuestionan sus méritos como un drama policial, que como un género senderos justo detrás Westerns como películas que los estadounidenses aman a amar, pero rara vez apoyar en la taquilla. Se7en batir las probabilidades y disfrutó de ancho gracias críticos de éxito y popular en gran parte a una fuerte palabra de boca en los giros de la película horquilla muchos, y otra cosa: su secuencia de título.La película no se abre directamente con la secuencia. En primer lugar, nos introduce en Sommerset Detective jubilarse (Morgan Freeman) y el novato reemplazo Detective Mills (Brad Pitt), ya que también se reúnen por primera vez, estableciendo su combativo química en pantalla e invertir la audiencia en la evolución de su sociedad. Este preludio también presenta muchos de los temas clave que se encuentran en Se7en: la desesperanza, la apatía, la desesperación y - para que no nos preguntamos por qué - un montón de violencia. Al final, le invitamos a la noche ritual zen Sommerset de ahogar el caos con un metrónomo en su mesita de noche, su ritmo hipnótico tambiénpidiendo nuestra confianza y atención.En cambio, nos ofrece a un mundo más oscuro, que - a diferencia de la violencia ciudad al azar bajo la ventana Sommerset - es obsesivo, metódico, y con propósito. Dirigida por Kyle Cooper, mientras que en el grupo recién formado de Los Ángeles de la titulación gigante R / Greenberg Associates, es una historia corta narrada en fragmentos y viñetas, a raíz de las manos de un hombre desconocido - probablemente el antagonista, John Doe - como él hace que las entradas en su diario al lado de los recortes, de libros, fotografías de desarrollo propio, y las imágenes y los objetos encontrados, dando al público una mirada íntima en la mente de un asesino en serie obsesionado con la religión y, más concretamente, el desgaste.

 Es una secuencia que ha sido comparado con la fotografía grotesca de Joel-Peter Whitkin y el experimental consciente de sí mismo cine de Stan Brakhage, y su formato ha sido comparado con el diseño del título Stephen Frankfurt en 1963 Robert Mulligan adaptación de la novela de suspense sal a Matar a un Mockingbird, que también cuenta con fotografía en primer plano de objetos personales para describir la psique de uno de los jugadores clave de la película. Pero es más probable que una convergencia de circunstancias singulares y la visión artística que le dio los títulos Se7en su cadencia propia y distinta, mezclando tratamiento Fincher de la película en sí con la interpretación visual de Cooper de su narrativa.

Y lo que finalmente distingue Se7en es su entrega, juntando trozos de líder y otros artefactos de la película con imágenes efímeras y el tipo de grabado a la derecha en la emulsión, todos cosidos por edición staccato Angus Wall y Bobina / Danny Ocultar los clavos en la pizarra remix de Trento éxito industrial de Reznor "Closer." Es una presentación sin esfuerzo que - al igual que el diario del asesino aparezca en - su construcción lleva con orgullo en su manga.
 Fincher se había considerado originalmente director Mark Romanek para la secuencia del título, que había trabajado previamente con Reznor en el video musical de "Closer", y con quien compartió similares sensibilidades estéticas. Pero Cooper sintió una conexión inmediata con el material y Fincher campal en una evolución de una técnica que había utilizado en varias secuencias de títulos anteriores. "Yo había hecho un montón de brotes de mesa - que había disparado a quema dinero para quemar, y de hecho, el corte" Dios "de la cuenta de dólar, pensé que cuando yo estaba mirando el billete de un dólar con la palabra" Dios "ardor en él, y yo estaba pensando en lo que John Doe podría hacer.

 "Cuando yo era un niño y  veía películas de terror", reflexiona Cooper, "el monstruo no salió hasta el tercer acto. Tuve la suerte de ver [Se7en] desde el principio, y recuerdo que pensé que después de que lo vi, yo quería ver al asesino antes de introducir el ... de alguna manera la causa de muerte en los títulos. Le pregunté si podía mirar todos los accesorios y todo lo que Fincher podría tener que ver, y había un par de cuadernos que había escrito prop excesivo en ellos, y yo pensé que sería bueno hacer una mesa con ellos y estar acerca de su preparación, como si fuera trabajo de John Doe para prepararlos. "

Los propios ordenadores portátiles han sido creados por diseñadores de Clive Piercy y Sabel Juan, que llena las páginas con grandes bloques de texto, sólo roto por la fotografía ocasional macabro o artefacto ambiguo asegura en su lugar. "Había una estantería llena de libros, y, probablemente, seis de ellos tenían en el interior de contenido", dice Cooper, "y tal vez dos de ellos tenía un número de páginas con excesivo escrito en ellos, con palabras como" lujuria "y la" avaricia "- usted sabe, las notas de John Doe - y así que usamos un poco de ese arte de producción, y algunos de ellos nos expuso y se nos hizo  propia ".

 En 2011, la CFI clasificado Se7en como la secuencia del título tercera más grande de todos los tiempos, detrás de Richard Lester Noche de un día duro y Vértigo Saul Bass, el New York Times lo acredita como "... una de las innovaciones de diseño más importantes de la década de 1990". Pero tal vez John Doe describe mejor en sus propias palabras:

"Si Quieres que la gente escuche, usted no puede simplemente tocar su hombro y ya más. Usted tiene que golpear con un martillo, y después te darás cuenta de que tienes su atención más estricta ".

Paperman

Por primera vez desde 1990, Disney Animation ha creado un corto de animación para acompañar a una función de liberación (la última vez fue Mickey Mouse en El príncipe y el mendigo, lanzado con The Rescuers Down Under). La película, titulada Paperman, que se proyectará con Wreck-It Ralph, es una pequeña película increíblemente encantador que también muestra una técnica de animación revolucionaria. Dijo en su totalidad en la pantomima, Paperman es ligeramente recuerda al clásico amado El globo rojo en las acciones aparentemente-sensibles de los objetos inanimados.
La historia trata de un hombre común que trabaja en un empleo ordinario, schlepping sí mismo dentro y fuera de la ciudad, en uno de los trenes de pasajeros diarios. Un día ventoso, tiene un encuentro casual con una joven agradable, que luego juntas su propio tren y desaparece de su vida casi tan pronto como entró. Entristecido por este cepillo cerca con lo que-podría-haber-sido, el hombre se sienta abatido posteriormente en su escritorio mirando a la enorme pila de formularios al jefe acaba de caer en su bandeja de entrada, hasta que pasa a mirar por la ventana y descubre para su sorpresa, que su sueño de chica es en ese momento que se sienta cerca de la ventana abierta en el edificio de enfrente. Agita, en vano. Ella no lo ha visto. Desesperado por conseguir su atención, se vuelve hacia la pila de papel delante de él, de forma rápida elaboración de un avión de papel tras otra y lanzándolos desde la ventana, con la esperanza de obtener sólo uno de ellos al otro lado de la calle y en las manos. Lo que sucede después es maravilloso, dulce, encantador y mágico en el mejor sentido de la palabra.
 

George se sienta abatido en su despacho, pensando en la chica que casi se tocaban.

 

Lo que hace único Paperman es la tecnología que entró en ella, por primera vez, Disney ha combinado clásico dibujado a mano animación 2D con arte 3D generada por computadora dentro de la misma naturaleza (anteriormente han utilizado CG para los vehículos, la arquitectura y los objetos inanimados en animación tradicional), en Paperman, los personajes están modelados en CG y rendido en alto contraste para crear el modelado y la sombra, y luego se fusionó con línea de trabajo a mano utilizando un programa de software propietario llamado meandro para crear el resultado final. Parece tradicional "clásico" de animación, pero con una sensación de solidez y volumen que es más común en las películas CG.
En una entrevista, Productor Kristina Reed explicó como director John Kahrs se le ocurrió la historia de Paperman, diciendo: "Esta idea surgió al principio de su carrera. Fue trayecto inverso, vivió en Nueva York y que estaba trabajando en el Sky Blue, que está en las afueras de Nueva York, y cada día que estaría viajando a través de la estación Grand Central como un solo individuo de unos 20 años, y que habría una multitud de personas que se desplazan a través de las estaciones de tren. Y él estaría pensando para sí: "¿por qué estoy no tener una vida más feliz? Al igual, yo soy un hombre soltero en la ciudad de Nueva York. Debería estar en la cima del mundo. Y sin embargo, me siento muy bien solo. ' Y de vez en cuando, él haría una relación con alguien, el contacto visual en la estación y pensar "es que la chica de mis sueños? Y luego se había ido. Este corto se produjo a partir de esos momentos ".
"Cuando me involucré estaba hablando acerca de la metodología de la misma," dice ella, "eso es lo que realmente me atrajo en la imagen, para ser totalmente honesto." Reed, quien anteriormente había estado en Dreamworks, se convirtió en director de producción de Disney en 2008; Disney, que había abandonado previamente animación dibujada a mano durante el mandato de Michael Eisner, regresaba al arte con la princesa y el sapo, al mismo tiempo que la producción de la película de animación por ordenador Tangled. Reed dice: "teníamos un montón de conversaciones entre los ejecutivos acerca de, estábamos pensando acerca de esto correctamente, tenemos suerte de esta línea se va abajo en nuestro equipo, y nos habíamos separado nuestro dibujado a mano el talento de nuestro talento CG, y simplemente, era que la forma correcta de pensar de las cosas? Era como estar en dos empresas diferentes y que ninguna empresa era tan liso como quisiéramos que fuera. Quiero decir que estamos teniendo que subir el doble de la cantidad de contenido para alimentar a ambos ductos, etcétera. "
Reed siguió presionando para un enfoque más coherente a la animación en el estudio, "Había una noción de que somos el único estudio en el mundo que tiene esta amplitud de talento, ¿hay algo que podamos hacer por ellos en realidad a juego juntos? ¿Hay algún nuevo lugar podemos ir visualmente que ningún estudio ha pasado antes? "Cuando John Kahrs lanzó su proyecto Paperman, parecía algo natural para la campaña de Reed, ella explica," ya que había estado un poco golpeando la mesa y diciendo " hay más, hay más en esto, no está pensando en la manera correcta ", especie de todo el mundo se volvió hacia mí y dijo 'usted produce éste," que yo estaba encantado de hacerlo ".
Reed se describe el proceso de ir y venir entre los elementos generados por ordenador y dibujado a mano de la creación de un personaje, habló de su propia experiencia en la animación, diciendo: "John, el director y yo, hemos pasado más de 20 años trabajando en gráficos por ordenador, y cuando ambos llegaron a esta empresa ", alrededor del mismo tiempo, los dos nos quedamos impresionados por la capacidad que los artistas de línea tiene que poner expresión sólo en una sola línea, tal y como se levanta un labio un poco poco o girar la vista, no hay expresión tanto que puede ser transportado. Y cuando usted está tratando de hacer que en el mundo CG es muy, muy duro, y te quedas muy separado del arte actual. Hay un montón de gente diferente a la izquierda para entrar y establecer el modelo y hacer los aparejos en el interior del modelo y obtener los párpados y las pestañas el ojo derecho, y es muy intrincado y complicado. Pero en el trabajo dibujado a mano, es una línea. Y no sólo esta belleza a la que ni Juan ni yo hemos sido expuestos. "Fue esta simplicidad y expresividad que trabajaron para capturar en la película.

Extraños en un tren plataforma. George y Meg casi hacer una conexión en su viaje matinal.

Una de las opciones artísticas John Kahrs hizo fue fijar la película a la mitad del siglo 20 y que sea en blanco y negro, Reed explica: "Sabía desde el principio que él quería que fuera en blanco y negro, y él estaba en trance muy por la fotografía en blanco y negro de Nueva York ", explica Reed, señalando que el paisaje urbano sirve como una metáfora visual para el aislamiento del protagonista," la idea de estos rascacielos como una especie de cañones y valles, y que usted, como un ser humano que se acaba de separar de su forma de trabajo a través de este tipo de paisaje inhóspito, rodeado de un montón de gente, pero muy solo, a menos que encuentre a alguien en el mundo que se puede conectar. "
Paperman tomó cerca de 14 meses para completar, pero el programa tuvo más que ver con la disponibilidad de los artistas que las dificultades inherentes a la producción. Reed explica que "una de las cosas acerca de hacer un corto de animación en Disney que tiene que encajar en las grietas entre nuestros grandes rasgos, por lo que la mayor parte del proyecto, nunca hubo más de 10 personas en él. Y luego, de vez en cuando, nos gustaría recibir una llamada telefónica y fue como si, de acuerdo, hay diez animadores disponibles durante seis semanas, lo que se puede hacer con ellos? Y por lo que nos revuelven alrededor y la figura hacia fuera y poner a todos juntos en el show y hacer que funcione. Y luego se iría de nuevo. Así que, en total había unas cuantas personas que lo tocó, pero no era realmente una pequeña tripulación de nosotros que son el núcleo del proyecto. "
Disney continúa desarrollando la técnica híbrida hand-drawn/CG, dice Reed. "Creemos honestamente como si fuera poco nuestra responsabilidad como una de las casas de animación estreno y desde luego la casa que inventó este arte, para poner nueva visual se asoma al mundo con otros artistas para responder a", nos dice, "creemos que hay una vasta frontera por ahí que no sólo es hiperreal CG, que es algo así donde hay un montón de animación que está pasando en estos momentos. No hay nada malo en ello. Hay muchas historias que pueden decir que se forman de manera muy eficaz. Pero también es en parte responsabilidad de nuestras raíces;. Sentimos que queremos asegurarnos de que hemos explorado todas las vías de arte que podemos con el talento que tenemos "Reed da una pista para futuros esfuerzos, diciendo:" Juan es de pasar a probar esta técnica en el color, porque es muy fácil decir: "Wow, eso es una técnica interesante, pero realmente se presta a la historia y las historias únicas de los años 40 e historias únicas en paisajes urbanos", por lo que es vamos a probar y probar follaje y color y ver lo que la técnica se verá así y contar una historia diferente, y vamos a ver a dónde va. "

EL PADRINO

10 datos que no sabías de El padrino

POR: actitudfem.com - 14 de Marzo de 2012

Hoy hace 40 años llegó a los cines una de las películas más emblemáticas y exitosas del séptimo arte: El padrino. Para conmemorarlo hicimos una lista de datos curiosos que seguRamente no conocías sobre la película más galardonada de Francis Ford Coppola.

1. Los productores de la cinta se negaban a que Marlon Brando interpretara el rol del padrino. Coppola incluso fue amenazado con ser despedido si seguía insistiendo con esa posibilidad. Al final se salió con la suya al hacer firmar a Brando una clausura en su contrato de que cumpliría todos los días de rodaje y no cometería sus típicas excentricidades.

2. Muy poca gente del equipo de rodaje de la película confiaba en Al Pacino. Lo criticaban por su estatura, su manera de hablar y actuar, y hasta se reían de él durante los primeros días de rodaje. Sin embargo, fue tras filmar la escena del asesinato del turco y el capitán de la policía, cuando se ganó el respeto de sus detractores. Parece ser que les impresionó su actuación.

3. A Robert Redford, Jack Nicholson,  Dustin Hoffman se les  ofreció interpretar el papel de Michael Corleone (Al Pacino), pero todos se rehusaron.

4. Durante los ensayos, una cabeza de caballo falsa fue utilizada para la escena del dormitorio. En la toma final, se utilizó una cabeza real.

5. Vito Corleone recibe su apellido del pueblo en la provincia de Sicilia de la cual proviene, pues bien, los abuelos de Al Pacino son nativos de ese mismo pueblo, Corleone, Sicilia.

6. Al principio de la primera parte aparece Vito Corleone en su despacho, sentado en su silla acariciando un gato. Brando se lo encontró antes de grabar la escena por los estudios. El gato no salía en el guion.

7. Marlon Brando asegura que se le ocurrió ponerse el algodón en la boca porque le daba pereza crear la voz de un personaje.

8. En unas imágenes del casting para la película se puede ver a Robert de Niro (quien en la cinta El padrino II interpretaría a Vito Corleono de joven) haciendo una prueba para el papel de Sonny Corleone. Sin embargo, acabó siendo para James Caan, que curiosamente conocía a Coppola ya que habían estudiado juntos.

9. Francis Ford Coppola ganó el 6% de los beneficios netos de la película. Con las 2 primeras cintas de la saga se llevó alrededor de 7 millones de dólares, más 175 000 por colaborar con el guion.

10. Las películas El Padrino y El padrino II han sido las únicas cintas pertenecientes a una saga en ganar consecutivamente el premio Oscar en la categoría de mejor película, la primera en 1972 y la segunda en 1974.

Fotografía de Bomberos iluminada con la técnica strobist vía CLS

 por : Cutura Bogotá

El horario que seleccione para hacer las tomas fué a las 6:00 de la tarde para aprovechar parte de la luz cálida del atardecer y complementar el resto de la iluminación con 3 pequeños speedlights, 2 SB-600 y un SB-800.

Para aumentar el impacto de la fotografía decidí hacer las tomas con una apertura de f / 14 en promedio y configurar mis “2″ SB-600 de tal forma que perfilaran a los bomberos por ambos lados y utilizar el SB-800 disparado a través de una sombrilla como Key Light.

En total hice alrededor de 60 disparos en RAW con diferentes configuraciones, cambios de uniforme y equipo en un lapso total de tiempo de aprox. 45min incluyendo algo de maquillaje y acomodo de las luces. puedes ver mas de estas tomas en mi pagina de Flickr.

Fuente: www.benolivares.com

CLAUDE CHABROL

Compartimos con ustedes "Cómo se hace una película" de Claude Chabrol. Un libro interesante donde vemos que el director de Doble Vida comparte su experiencia como realizador.
Para llevar e imprimir: http://www.mediafire.com/?zvq16qth7l7jqqs

5 curiosidades de Steven Spielberg

Por:  Daniel F. Mora

Esta semana volvemos al camino que inició esta sección, que es el contar cinco cosas que quizás no conozcan, porque sabemos que los lectores de Editando son de lo más inteligentes que hay, siguiendo la estela que Radio Biobio ha dado con sus publicaciones de estudios absurdos o las cosas que hay que evitar para que no ocurran ciertas cosas, y que son el deleite para los trolls que ávidos por insultar recurren a dichas entradas para criticar la labor periodista de tan prestigiosa radio.

Esperemos que los trolls no lleguen a esta entrada que les contará cinco curiosidades de Steven Spielberg y que en una de esas, no conocían.

Spielberg y sus ganas frustradas de dirigir una película Bond

Steven siempre ha sido  un fanático del cine, especialmente de las películas de James Bond y no ha tenido reparos en señalar que siempre quiso dirigir alguna película de la franquicia. Aquí viene lo entretenido, ha tenido dos oportunidades para presentar su propuesta y en ambas tuvo un rotundo NO por respuesta, por parte del productor Albert R. Broccoli.

De acuerdo a la hija de Broccoli, Barbara, quien tomó el rol de productor tras la muerte de su padre, la primera oportunidad de Spielberg para encontrarse con Albert fue cuando este iniciaba su carrera en la industria. A Broccoli le gustó la pasión del joven pero sentía que no tenía suficiente experiencia. Barbara dice que su padre le dijo al joven Spielberg, “Chico, tienes que tener más películas en tu cinturón.” Años después, tras el estreno de una de sus grandes películas, La Lista de Schindler, Spielberg le envió una carta a Broccoli preguntándole si podía dirigir una película Bond. Broccoli volvió a decirle que no respondiéndole, “Ahora no puedo costearte.”

Spielberg y el dinero ensangrentado

La historia de Oskar Schindler, el empresario alemán que salvó las vidas de más de 1.100 judíos durante el Holocausto, no sólo es una de las más aclamadas películas de Spielberg, sino también una de las más personales.

Por eso él nunca ha aceptado ni un sólo peso obtenido por las utilidades de la película. Ha descrito que cualquier dinero recibido por la película es como “dinero ensangrentado” y por lo mismo lo ha donado a la Fundación Shoah, instancia que busca honrar y recordar a las víctimas del Holocausto.

Spielberg y el deslizador

Como ya mencionamos, Spielberg aparte de ser un famoso y exitoso director, siempre ha sido un amante del cine y eso no ha cambiado pese a haberse convertido en una fábrica de dinero.

Es un ávido coleccionista de memorabilia fílmica y su objeto más impresionante proviene de la película más importante de Orson Welles. Para la filmación de “El Ciudadano Kane” se hicieron dos deslizadores Yankee Clipper, y que como todos sabemos es la pieza central de la película. Spielberg compró el deslizador que sobró porque no fue quemado durante la filmación y lo adquirió en una subasta en 1986 por tan sólo 60.500 dolares.

Spielberg y el Oscar

Sumado a “Rosebud”, otra de sus colecciones incluyen varias estatuas de los Oscars, sin contar las que el mismo ha ganado por “La Lista de Schindler” y “Salvando al Soldado Ryan“.

Spielberg ha comprado la estatuilla de Clark Gable a mejor actor obtenida por su papel en “It Happened One Night” (1934) y dos estatuillas de Bette Davis ganadas por su trabajo en “Dangerous” y “Jezebel”.

Pero hay que señalar que no se quedó con ellas sino que las donó a la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas como un generoso esfuerzo por preservar la historia fílmica.

Spielberg y la gran estafa

Spielberg fue uno de los muchos estafados por Bernie Madoff, siendo así uno más dentro de la infame lista de víctimas.

Dicha lista no dice cuánto dinero perdió debido a la estafa pero sí menciona que Madoff tomó el dinero a través de la institución filantrópica, la Fundación Wunderkinder. El colega de Spilberg en Dreamworks, Jeffrey Katzenberg, quién también le dio una importante suma de dinero a Madoff dijo “él hizo un daño extraordinario a mi filantropía.

ZEPfilms | Producción: El Guión y la estructura de los 3 Actos

ZEPfilms | Producción: El Guión y la estructura de los 3 Actos: Este jueves hice un video sobre la estructura básica de un guión. Si están escribiendo un largometraje o tienen en mente hacerlo, les rec...

Disney compra Lucasfilm y estrenarán Star Wars: Episode VII en 2015

Por: Cine Premier
Esta noticia es, probablemente, la más inesperada no sólo de este día o semana, sino de los últimos meses: The Walt Disney Company y George Lucas confirman la compra de Lucasfilm por una suma aproximada de $4 mil millones de dólares.
La información ha sido confirmada en el sitio oficial de Disney, con unas palabras del mismísimo Lucas:
“Durante los pasados 35 años, uno de mis más grandes placeres ha sido ver cómo Star Wars pasa de una generación a la siguiente. Ahora es tiempo para mí de pasar Star Wars a una nueva generación de cineastas. Siempre he creído que Star Wars puede vivir más allá de mí, y pienso que era importante hacer esta transición mientras aún viva. Confío en que con Lucasfilm bajo el liderazgo de Kathleen Kennedy (actual vice-presidente de la compañía) y con una nueva casa en la organización Disney, Star Wars ciertamente vivirá y florecerá para muchas generaciones por venir. El alcance y experiencia de Disney le dará a Lucasfilm la oportunidad de enfrentar nuevos retos en el cine, la televisión, los medios interactivos, los parques temáticos, el entrenamiento en vivo y los productos para el consumidor”.
Todavía está por aclararse hasta qué punto seguirá la 20th Century Fox distribuyendo los actuales filmes y Cartoon Network transmitiendo Star Wars: Clone Wars (siendo Turner Broadcasting un competidor directo de los canales de TV de Disney). Pero lo que es un hecho es el anuncio del estreno de Star Wars: Episode VII para el año 2015, “con más películas en el futuro para continuar la saga Star Wars y creciendo con la franquicia en el futuro”, detalla el comunicado.
“Lucasfilm refleja la extraordinaria pasión, visión y narrativa de su fundador, George Lucas”, dijo Robert A. Iger, Presidente y Jefe Ejecutivo de The Walt Disney Company. “Esta transacción combina un portafolio de clase mundial con contenidos que incluyen Star Wars, una de las franquicias de entretenimiento familiar más grandes de todos los tiempos, con los creativos de Disney, que poseen una creatividad sin paralelo en múltiples plataformas, negocios y mercados, como para generar un crecimiento sustancial y valor significativo a largo plazo”.

La poetisa que inspiró a Mandela

Por: Revista Arcadia

Carice van Houten interpreta a Ingrid Jonker.

Cine

El 12 de octubre se estrena ‘Mariposas negras’, película que cuenta la conmovedora historia de Ingrid Jonker, la más importante poetisa surafricana. Su obra criticó abiertamente el racismo y abogó por la libertad.

Por: Revistaarcadia.com.

Publicado el: 2012-10-10

En 1994, Nelson Mandela leyó uno de los poemas de Ingrid Jonker cuando se dirigió al primer parlamento surafricano elegido democráticamente. Mandela consideraba que las palabras de la poetisa eran iluminadoras, pues enseñaban que todos los esfuerzos de la sociedad africana debían centrarse en la liberación de la mujer, la emancipación del hombre y la libertad del niño. Y sobre ella dijo: “Era tanto artista como un ser humano. En medio de la desesperación, ella celebraba la esperanza. Enfrentada a la muerte, ella afirmaba la belleza de la vida”.  

Jonker (1933-196) tuvo una infancia difícil. Sus padres se separaron muy pronto y desde ese momento su vida estuvo llena de privaciones materiales y sobresaltos emocionales que la marcaron para siempre y eventualmente la indujeron al suicidio.

Era una niña sensible, talentosa y despierta, por eso a los 13 años ya había escrito su primera colección de poemas y a los 16 no solo intercambiaba correspondencia con el escritor D.J. Opperman sino que publicaba sus textos en revistas. Desde un principio la crítica elogió su obra, que en ese entonces podía considerarse osada por sus versos libres y sus imágenes sensuales y surrealistas. Su padre, sin embargo, nunca estuvo de acuerdo con su poesía.

Abraham Jonker, el padre de la escritora, era miembro del parlamento y trabajaba en la implementación de políticas de censura a las artes, lo cual chocaba con los arriesgados textos que su hija escribía en contra del Apartheid. Sus diferencias fueron públicas y humillantes para ella, quien siempre vivió atormentada por el rechazo de su padre.  

Jonker era una poeta compasiva y comprometida, por eso su obra reflejaba una refrescante inocencia, vacía de odio y prejuicio. También era una mujer rebelde, valiente y liberal, en medio de una sociedad mojigata y violentamente racista. Estaba tan adelantada a su tiempo que un día decidió dejar de luchar contra su padre y contra la sociedad: se suicidó el 19 de julio de 1965. Murió ahogada y se cuenta que cuando su padre recibió la noticia solo dijo: “Para lo que a mí me importa, pueden botarla de nuevo al mar”.  

Mariposas negras, le película que cuenta la apasionante y tomentosa vida de Jonker, se estrena en Colombia el 12 de octubre. Sobre el largometraje, dirigido por Paula van der Oest, el New York Times comentó: “Es la visita interior de tumultuosa vida de Jonker. La película nos hace recordar que la poesía ha sido marginada como fuerza cultural desde 1960. Sus matices cambian continuamente y el clima costero alrededor de Ciudad del Cabo refleja su tempestuosa vida emocional”.

Mariposas negras (2011)

Dirección: Paula van der Oest.

Guion: Greg Latter.

Actores: Carice van Houten, Graham Clarke, Grant Swanby.

HACER POSIBLE LO IMPOSIBLE

17OCT

Por: fotogramas.es 

Lo de este fin de semana ha sido increible. Por fin una noticia no buena, sino lo siguiente, genial. El magno estreno de Lo Imposible ha sido un detonador desmedido pero el resto de la cartelera no se ha quedado corta. Se han recaudado 14,8 millones de €, un 152% más que la pasada semana. Comparando con hace un año, la cifra también es un espectacular 126% más. Era el tercer fin de semana de Tintín en nuestra cartelera y solo llegaban dos estrenos familiares como títulos más potentes. Pero es que este fin de semana ha sido el mejor desde Torrente 4 y con más de 2 millones de espectadores.

Como se ha mencionado mucho, Lo Imposible ha arrasado como el mayor estreno de la historia con casi 9 millones en el fin de semana y 10,3 millones en el conjunto de los cuatro días.Logra 1,3 millones de espectadores en solo cuatro días, y esto será un motor de boca-oreja enorme a sumar a todo lo mediático que rodea a este film.

Difícil era esperar un éxito pero aún más difícil era no esperar que triunfara. La cosa estaba en saber si nuestro mercado estaba preparado para un récord. No se han visto muchos en bastante tiempo, pero sin duda esto ayuda da devolver la fe.

Otro elemento que hacía difícil esperar un fracaso era el conjunto de la película y todo lo que se había creado a su alrededor. Una campaña modélica, en la que todos los valores de producción estaban a la vista. Todo combinado con un concepto claro de “must-see” y de prestigio generado por las excelentes críticas que ha ido rascando a lo largo de sus premiers en Toronto, San Sebastian y Sitges. Era el film de momento y conocido por una enorme masa de audiencia.

Ahora toca pensar en el techo. A poco que aguante a partir de la tercera semana – es de esperar que en la segunda semana sufra un descenso más agudo de lo habitual por la falta de un día tan completo como fue el viernes pasado – Lo imposible se debería colocar en un mínimo de 26-27 millones de € y un dato idea de 30. Se aceptan apuestas.

A partir de aquí el resto de la cartelera ha estado lleno de elementos interesantes y positivos, el primero, el conjunto de estos films ha generado 5,7 millones de € casi el mismo dato que hace una semana. Había otro estreno fuerte, Frankenweenie, y otros dos más de menor medida, Cosmopolis y By-pass. De esta última pese a los más de 60 cines que ocupaba no hay datos.

Las aventuras de Tadeo Jones crece un espectacular 49% sobre sus recaudaciones de la pasada semana y genera otros excelentes 1,13 millones de € para un total de 15,7 millones. Lleva ya vendidos 2,22 millones de entradas y el superar los 16 millones parece también un lugar casi lógico valorando el ritmo que ha tenido en estas pasadas semanas.

En el caso de Frankenweenie sus 820.000€ en 306 cines no son un mal dato valorando los escasos datos en Norteamérica – 8,9 millones de € – y los antecedentes de Piratas! y Las aventuras de Coraline. Disney domina este producto y en parte lo demuestra ante el impacto que ha tenido el film pese a ser un producto de sobras difícil para su mercado. Con el día extra se coloca en los 910.000€ y si la película genera un ligero boca-oreja aunque sea entre audiencias maduras pro este tipo de cine – en parte Coraline se convirtió también en un producto de culto – entonces podría aspirar a los 2,5-2,6 millones de €. En su momentoCoraline se fue hasta los 2,88 millones de € y Piratas! se colocó en un dato final de 1,82 millones de €.

En el apartado de caídas, la mayoría lo hacen entre un 10 y un 20%. En el primer grupo, con una caída del 10%, se colocan Venganza: conexión Estambul y El fraude respecto a sus buenos estrenos la pasada semana. La primera suma 850.000€ para ya 2,2 millones de € y 315.000 espectadores, por lo que la cinta parece que interesó en este contexto vacacional y con todo lo que Lo Imposible suponía a nivel de competencia. Lo mismo para El fraude, pero es que el verdadero colapso de espectadores de la cinta española de bien seguro provocó una migración hacia estos dos films aún potentes y relevantes. Es de esperar que la semana que viene presentes caídas fuertes, aunque – sobretodo en el caso de El fraude – enderecen el camino de cara al siguiente fin de semana. El fraude suma 768.000€ para un total de 1,97 millones y 270.000€.

Alta ve como su nuevo Allen cae un moderado 15% hasta los 253.000€, por lo que A Romacon amor acumularía ya 2,63 millones, justo de camino a los 3 millones. Si de verdad me quieres y Salvajes caen un 17% y un 25% respectivamente, lo que hace que la comedia de Aurum ya casi pille la delantera al film de Olvier Stone, que en su momento se estrenó con más fuerza. La película de Meryl Strepp acumula 1,62 millones, con más de 263.000€ en este fin de semana aunque la media por sala es más bien escasa, 958€. Le queda un poco de gas como para irse a los 2 millones. Puede que la Fiesta del cine le de un empujón decente.

Fuera del top10 toca mencionar títulos “autorales” como el estreno de Cosmopolis y el mantenimiento de Blancanieves.

Cosmopolis por su parte se queda a medio camino de un buen dato. Pese a la visibilidad que se le ha dado al film y el nombre de su actor y director, las 80 pantallas se han mostrado un dato excesivo para el tipo de film que era. La cinta se conforma con unos pobres 94.800€, unos 1.400€ por sala. En los cuatro días alza la cifra hasta los 107.000€. Su futuro es escaso ya que la competencia en este tipo de cine es elevada.

Blancanieves cae un decente 13% hasta los 107.000€ y ya acumula 537.000€ y El artista y la modelo llega a los 289.000€ tras caer esta semana un 11%.

Relativos buenos datos para un producto pequeño y que no optaba a las grandes masas, pero que se muestra solido en el boca-oreja.

En Estados Unidos las cifras también han sido excelentes al presentar un dato general un 48% superior a hace un año, y con ello octubre se perfila como un mes excelente. Los casi 20 millones de $ de Argo y los 18 de Sinister son unos óptimos resultados como grandes estrenos. La comedia familiar Here Comes the Boom no emociona con solo 12 millones de $.

Venganza 2 suma otros 22 millones de $ para un total de 86 millones de $. A nivel internacional ya alcanza los 132 millones de $.

¡¡Empezar el día con un buen desayuno!!

Diseño Gráfico y El Cine

Por: ROBERTO GAMONAL

Saul Bass, el hombre del trazo de oro 

Es el gran maestro de las secuencias de títulos y también uno de los mejores cartelistas.

Su estilo revolucionó la estética gráfica del séptimo arte. Los más reputados directores de cine han solicitado sus servicios tanto para realizar carteles como los primeros minutos de sus films: Otto Preminger, Alfred Hitchcock, Billy Wilder, Stanley Kubrick, Martin Scorsese o Ridley Scott son algunos nombres dentro de su extensa carrera. Su trabajo ha servido de inspiración para muchos diseñadores actuales.

Pero no sólo es conocido por su contribución al cine. Fue uno de los mejores diseñadores gráficos norteamericanos de su época junto a Paul Rand y Milton Glaser. Meggs (2002: 443) dice de él que “redujo el diseño gráfico a una imagen dominante, sencilla, usualmente centrada en el espacio” gracias a “una habilidad extraordinaria para identificar el núcleo de un problema de diseño”. También afirma que “despojó al diseño gráfico estadounidense de la complejidad visual y redujo la comunicación a una imagen pictográfica sencilla”.

Su forma de trabajar es muy sencilla técnicamente, pero compleja semánticamente:

•  Construye formas orgánicas sencillas mediante recortes abruptos y simples de cartulina mediante tijeras o trazadas con un pincel.

•  Estas formas transmiten una gran energía visual ya que están dibujadas con total libertad sin someterse a la rigidez de la geometría exacta.

•  Utiliza tipografía dibujada manualmente que a veces combina con letras de imprenta.

En una entrevista el diseñador habla abiertamente de su particular concepto de la creatividad (Bass, 1989: 13-15): “es la noción de tomar algo ‘conocido', aun algo trillado, y tratarlo de tal manera que se transforma en una experiencia completamente fresca. Algo así como transformar lo común y corriente en extraordinario”. Destaca la importancia de definir correctamente el problema o la necesidad comunicativa y recomienda dedicarle una gran cantidad de tiempo antes de encarar un nuevo proyecto. Tras esta primera fase, procede a la traslación del problema a un concepto creativo basado en una imagen, “en una frase visual que sea más de lo que parece a simple vista, o que en cierta forma sea diferente de lo que parece en una primera impresión”. Para traducir el briefing al diseño, Bass utiliza medios que nos remiten a la Retórica: “la ambigüedad y la metáfora suelen ser centrales en mi trabajo, y por cierto en el trabajo de la mayoría de los cineastas y diseñadores que admiro”. Usa estas estrategias retóricas porque considera que el estilo indirecto es a la vez práctico y estético: “Las cosas que son lo que aparentan cumplen su función y pronto se vuelven tediosas. Lo ambiguo es intrínsicamente más interesante, más desafiante, más inclusivo, más misterioso y más potente. Obliga a volver a examinar, agrega tensión, otorga vida; y debido a que hay más que descubrir, tiene mayor longevidad”.

Rechaza categóricamente la idea de una creatividad gráfica fruto de una inspiración casi mágica. El proceso creativo es un camino que puede hacerse largo y duro, pero que siempre conduce a una buena idea. Ante el desconocimiento del proceso, los jóvenes diseñadores y estudiantes ven productos ya finalizados de los que quedan maravillados sin conocer su construcción. Considera que esto les puede llevar a “tener la ilusión de que estas cosas realmente surgen espontáneamente de la cabeza de algún diseñador”. El tortuoso camino hacia un gran concepto creativo es igual tanto para los diseñadores experimentados como los primerizos, la única diferencia es que los primeros “tienen menos ansiedad frente al proceso porque sabe que finalmente llegará a donde apunta”.

Reconoce que estos falsos mitos a veces son alimentados por los propios diseñadores con afirmaciones tan poco racionales como: “Bueno, estaba en un restaurante y garabateé esto en la servilleta…”, “Me estaba afeitando…”, “Estaba en el avión…” o “Iba en el taxi…”. Bass es indulgente con estos profesionales y afirma que “no lo hacen con maldad, es que realmente les gustaría creer que las cosas sucedieron de esa manera”.

Esta filosofía sobre la profesión del diseño y la creatividad se debe a una sólida formación en el Brooklyn College de su Nueva York natal. Entre sus profesores se encontraba Gyorgy Kepes, uno de los principales teóricos de los últimos años de la Bauhaus que emigró a Estados Unidos tras el fin de la escuela alemana. La influencia de su tutor se deja entrever en sus trabajos posteriores llenos de conceptualismo y abstracción basados en una síntesis de los mensajes visuales con los menores recursos gráficos posibles.

Tras su graduación, trabajó en varias agencias de publicidad neoyorkinas hasta que se muda a Los Ángeles, la meca del cine. Este hecho cambia totalmente su vida. Es contratado por la productora Warner para realizar carteles de largometrajes dentro de su departamento de publicidad. Desde entonces casi todos sus proyectos empiezan a estar relacionados con el cine y se enamora del séptimo arte. En 1952 funda su propio estudio de diseño con varios socios donde compagina los proyectos cinematográficos con trabajos publicitarios y de identidad corporativa para las más importantes compañías norteamericanas.

El encargo de sus primeros títulos de crédito le llega de la mano del director austriaco Preminger para el musical “Carmen Jones” (1954) para el que trabajó en diez largometrajes más. Uno de sus trabajos más conocidos e imitados es la secuencia de apertura de “Anatomía de un asesinato” (1959). Con un concepto visual simple, pero impactante, basado en la silueta de un cadáver, Bass establece uno de los mejores preludios del cine. La secuencia inicial se abre con la formación del cadáver mediante las diferentes piezas que lo conforman a la manera de un puzzle. Con la figura ya completada se presenta el título del film para posteriormente introducir el reparto de actores y demás participantes mediante las diversas partes del cadáver (brazos, piernas, tronco y cabeza) al ritmo de la música de Duke Ellington.

Anatomía de un asesinato

Alfred Hitchcock quedó prendado con estos títulos de crédito y los de “El hombre del brazo de oro” (comentados anteriormente) y solicitó su colaboración. Fruto de la unión de estos dos grandes genios, surgieron un cartel y una secuencia de apertura que pasó a la historia. “Vértigo” (1958) es uno de los trabajos más relevantes de Bass. Para reflejar visualmente el mal de las alturas que sufre Scottie, el personaje protagonizado por James Stewart, utiliza diversas espirales en movimientos circulares para plasmar la sensación inquietante del vértigo y el carácter onírico que subyace en el film. La secuencia abre con un plano detalle de la parte inferior izquierda del rostro de la protagonista Madelaine, interpretada por Kim Novak. La música de Bernard Herrmann es ideal para crear esa atmósfera intrigante. La imagen nos muestra un rostro que no podemos reconocer creándose un ambiente de misterio en torno a la figura femenina, acentuado por una iluminación débil. Después la cámara se desplaza a la izquierda y se acerca a los labios, un claro objeto de deseo. Seguidamente aparece el nombre del protagonista masculino desde la parte inferior hasta situarse por encima de los labios de la mujer. La tipografía elegida por Bass es una Clarendon, una letra con remates cuadrados, en mayúsculas y hueca, cuyo contorno interior deja ver las imágenes de fondo. El nombre desaparece mediante un fundido y la cámara continúa su viaje enigmático por el rostro de la mujer subiendo hasta un plano detalle de unos ojos inquietantes que miran a los dos lados. Esta vez, el nombre de la actriz protagonista entra en la pantalla desde arriba para situarse debajo de los ojos. De nuevo el texto se desvanece mediante fundido y la cámara se desplaza hacia el ojo derecho de la mujer. El nombre del director entra en la pantalla desde el centro y se para debajo del ojo, un símbolo que representa a la perfección la función de Hitchcock. El objetivo vuelve acercarse más aún a su ojo mientras cambia la iluminación volviéndose más oscura y virándose la pantalla a color rojo, representando la sangre y la violencia. El ojo se abre aún más y de su pupila comienza a salir el título de la película y desaparece de la pantalla por la parte superior. También de la pupila surge una espiral de color morado que gira acercándose hacia al espectador como en un intento de hipnotizarle o marearle para que comparta la sensación de vértigo. La imagen de la mujer se funde a negro y comienza la aproximación inquietante de varias espirales de diversos colores acompañadas por los nombres del resto del reparto. Cada espiral se va enlazando mediante fundidos. En la última, entra de nuevo la imagen del ojo virada a rojo y desde la pupila sale el texto “dirigido por: Alfred Hithcock” para terminar fundiéndose a negro.

Vértigo

El cartel de “Vértigo” es un ejercicio de síntesis gráfica característica de Bass. Dos siluetas, una masculina en masa de color negro y otra femenina hueca a línea, que se precipitan al vacío dando la sensación de girar de forma vertiginosa, a pesar del estatismo del soporte bidimensional, gracias a una espiral blanca. La tipografía, en este caso, está dibujada a mano en color negro sobre un fondo rojo.

La colaboración continuó con los créditos del largometraje “Con la muerte en los talones” (1959). Los 120 segundos que dura esta secuencia nos muestra el ritmo frenético de una ciudad comenzando con la formación animada de una retícula en perspectiva formada por líneas blancas verticales y horizontales sobre un fondo de color verde. Los nombres de los actores principales suben y bajan como si estuvieran en un ascensor. Tras la aparición del título del film, el fondo verde desaparece mediante fundido mostrándose la estructura de un edificio con cristaleras que coincide con la retícula creada por las líneas. A través de los cristales podemos ver el frenesí del tráfico de una ciudad mientras ascienden y descienden los nombres de actores secundarios y otros participantes. De nuevo, con un fundido se nos muestra la incesante entrada y salida de personas por las puertas giratorias de un edificio. La secuencia finaliza con varias tomas que se enlazan por corte: el trasiego de transeúntes entrando en el metro, el cruce de un semáforo, el ir y venir por unas escaleras, la pelea de dos mujeres por un taxi y la pérdida de un autobús cuya puerta se le cierra en las narices a un hombre, que precisamente es Hitchcock en uno de sus particulares cameos.

Con la muerte en los talones

Trabajarán juntos una vez más en “Psicosis” (1960). Aunque no diseñó el cartel, sí realizó el storyboard para este largometraje, incluida la conocida secuencia de la ducha, de la que se dice que fue él quien la dirigió y no Hitchcock. Esto generó polémica ya que el director británico afirmó que la dirigió personalmente y el diseñador insistió en que él fue el responsable de su rodaje. Tras este enfrentamiento no volvieron a trabajar juntos. En la secuencia de títulos, Bass recurrió de nuevo a formas lineales blancas sobre fondo negro cuyo frenético movimiento se sincronizaba con la chirriante banda sonora creada de nuevo por Herrmann. Las líneas atraviesan de manera acelerada la pantalla horizontal y verticalmente introduciendo los nombres del reparto. La fragmentación de algunos textos clave como el título de la película y los nombres del director y los actores protagonistas reflejan el carácter psicótico de Norman Bates, el personaje protagonizado por Anthony Perkins.

Psicosis

Aunque sigue realizando títulos de crédito memorables como los de “Espartaco” (Stanley Kubrick, 1960), “Éxodo” (Otto Preminger, 1960) “West Side Store” (Jerome Robbins y Robert Wise, 1961) o “Extraña amistad” (Otto Preminger, 1971) durante la década de los 60 y 70, comienza a centrarse en la realización cinematográfica junto a su segunda esposa Elaine. Se trata de una faceta poco conocida, pero el diseñador llegó a conseguir un Oscar en 1968 al mejor cortometraje por “Why man creates”, una apología audiovisual de la creatividad humana. Dirigió otros cortos titulados “The searching eye” (1964), “From here to there” (1964), “Notes on the popular arts” (1976), “The solar film” (1980) y “Quest” (1983). En 1974 estrena su primer y único largometraje “Encuentros en la IV Fase”, una película de ciencia-ficción en la que nos muestra un mundo dominado por los hormigas. También produjo un documental titulado “Bass on the titles” (1977) en el que se analiza su trabajo como responsable de las mejores primeras secuencias de mundo del cine.

Tras su aventura como director entre 1970 y 1990, sin el éxito que él mismo esperaba, se centra en encargos comerciales relacionados con la publicidad y la identidad corporativa para compañías privadas y reduce sus encargos para diseñar títulos de crédito. Bass creó numerosos logotipos para empresas como AT&T, Bell Systems, United Airlines, Alcoa, Minolta, Warner Comunications, Security Pacific Bank, Quaker Foods & Beverages, Exxon, Paul Harris Stores, Fuller Paints, Frontier Airlines, Continental Airlines o Avery International. De esta época son las secuencias iniciales de “Alien, el octavo pasajero” (Ridley Scott, 1979), “Al filo de la noticia” (James L. Brooks, 1987), “Big” (Penny Marshall, 1988) y “La guerra de los Rose” (Danny de Vito, 1989). Estos trabajos quizá no llegan a la excelencia a la que nos tiene acostumbrado.

En los 90, Martin Scorsese le llama para que realice los créditos de “Uno de los nuestros” (1990) junto a Elaine. La sintonía entre los tres es perfecta y su colaboración continúa con “El cabo del miedo” (1991), “La edad de la inocencia” (1993) y “Casino” (1995), la última secuencia de títulos que dejó para el recuerdo antes de su fallecimiento en 1996. En sus últimos años de vida, también se encargó del diseño de los carteles de la ceremonia de los Oscars.

Toda una vida dedicada a sus dos grandes pasiones: el Diseño Gráfico y el Cine.